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Arte medieval temprano: una breve guía

Arte medieval temprano: una breve guía


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Por Danielle Trynoski

El mundo medieval estaba lleno de color, artesanía y creatividad. Desde las aparentemente imposibles cuentas de filigrana de oro hasta las intrincadas ilustraciones en miniatura pintadas a mano y la delicada porcelana, todos los grupos culturales de todo el mundo durante la Edad Media produjeron algo de belleza y habilidad. Estos objetos preciosos todavía ofrecen la capacidad de conectarnos con sus creadores y nos inspiran a preguntarnos sobre las pruebas, las tribulaciones y la vida cotidiana del artista. Al explorar una muestra de estas ricas tradiciones artísticas, se hace evidente que el arte no está limitado por la edad o los límites de tiempo cronológicos.

anglosajón

Los productos más conocidos de los artesanos anglosajones son hermosos artefactos zoomorfos de oro y granate. Las celdas de vidrio granate o rojo enmarcadas por oro son comunes en piezas de joyería de alto valor, accesorios de correas para cinturones, accesorios de arneses, accesorios para cinturones de espada y otros trabajos de metal decorativos. El tesoro de Sutton Hoo descubierto en la década de 1930 produjo elaborados broches, tapas de carteras, accesorios para el pecho y exquisitas joyas. Más recientemente, Staffordshire Hoard demostró una vez más las habilidades y el dominio de los orfebres y artesanos del metal anglosajones.

El jabalí, las aves rapaces y las figurillas humanas son algunas de las imágenes dominantes en las obras de metal anglosajonas. Los broches de Sutton Hoo presentan jabalíes, sin embargo, los hallazgos registrados por el Portable Antiquities Scheme también muestran el predominio de este animal.

PAS-5D5B56 es una impresionante cabeza de jabalí dorada con granates de cabujón como ojos, completa con detalles finos como alambre de cuentas y los remaches originales para sujetarlo a la parte delantera de un casco finamente elaborado. La cabeza de otro jabalí, DENO-92C3BB, está dañada al romperse una pieza más grande, sin embargo, el oro y los granates aún brillan.

Se utilizaron otras formas zoomorfas, sin embargo, el jabalí pudo haber representado fuerza, fertilidad, realeza, protección y / o valentía. El arte anglosajón representa una curiosa fase de transición a medida que el cristianismo se estableció en Gran Bretaña en los siglos V-VIII. La simbología cristiana reemplazó gradualmente las formas naturalistas anteriores y la obra de arte británica pasó a los estilos angloescandinavo, románico y normando.

Alfred Jewel es un excelente ejemplo de esto; combina una imagen cristiana (probablemente Cristo) en un delicado ejemplo de filigrana de oro anglosajona en forma de cabeza de jabalí. La inscripción en oro en el marco se traduce como "Alfred ordenó que me hiciera". Si esto se refiere o no al famoso Rey Alfred está en debate, sin embargo, la habilidad en la construcción de la pieza no puede ser cuestionada ".

bizantino

El arte de Bizancio fue uno de los más diversos de la Edad Media con influencias de Grecia, Italia romana, Asia Menor, Siria, Irán, Irak y el cristianismo. Sobrevive suficiente arquitectura bizantina para hacer un estudio de sus formas y tendencias, especialmente en Turquía y Armenia.

Una de sus características más reconocibles es la cúpula sobre una plaza en una adaptación de un plan de basílica como se ve en Hagia Sophia y múltiples iglesias sobrevivientes en Armenia y Siria. Si bien este estilo artístico lleva el nombre directo de una ciudad, su estética se generalizó en la Edad Media con elementos que aparecieron en Roma, Rávena, París y más lugares en todo el continente europeo.

Se cree que Rávena, con su alta calidad de conservación de los edificios y mosaicos de los siglos VI y VII, es un descendiente directo de las técnicas y la estética de Constantinopla. Los mosaicos que cubren las paredes en Sant'Apollinaire Nuovo probablemente se asemejan a los mosaicos que construyó Justiniano a principios del siglo VI en el Gran Palacio de Constantinopla, y representan las tendencias bizantinas en la decoración elaborada solo en el interior de una iglesia. También fue el pionero en el uso de imágenes para representar las narrativas bíblicas y así permitir a los adoradores analfabetos la oportunidad de aprender las historias y los símbolos a su manera.

La combinación de la iconografía romana, griega y oriental en escenas cristianas es lo que hace que el arte bizantino sea tan distintivo. En tallas, iluminaciones fragmentarias y estatuas podemos ver destellos, sin embargo, los mosaicos son realmente los más ilustrativos de este movimiento creativo de la Alta Edad Media.

India medieval

La India en la Edad Media acogió a una serie de gobernantes dinásticos que lideraron los cambios en la política, la economía, la religión, la estructura social y el arte. El período medieval en la India comenzó en el siglo VI con la dinastía Rashtrakuta y terminó en el siglo XVI con el auge del poder del Imperio Mughal. El alto número de sistemas dinásticos permitió un número correspondiente de grupos religiosos que se refleja en el arte de este período.

El arte indio medieval se caracteriza por motivos naturales y la rica diversidad del panteón indio de deidades. La forma humana ocupa un lugar destacado, ya sea en la representación de humanos o dioses. Una buena cantidad de material se conserva en edificios y estructuras alternativas como cuevas. Sobreviven columnas, paredes pintadas, tallados en alto relieve, esculturas de bronce y algunos manuscritos. Estas obras reflejan fuertes preferencias y talentos regionales, ya que no fue hasta el Imperio Mughal del siglo XVI cuando floreció el patrocinio real de las artes.

Varios sitios históricos notables como Ajanta, Badami, Mahadeva, Konark y Ellora conservan excelentes ejemplos de la arquitectura altamente decorativa y las pinturas murales de este período.

Baburnama, o las Cartas de Babur, son las memorias de principios del siglo XVI de Zahir-ud-Din Muhammed Babur (1483-1530), quien fundó la dinastía Mughal. Un manuscrito fragmentario del siglo XVI en Walters incluye 30 iluminaciones que representan el estilo de la corte mogol. Las cuevas de Ellora contienen 34 monasterios y templos a lo largo de dos kilómetros dedicados al budismo, hindusim y jainismo. Creadas entre 600-1000 d.C., las cuevas están muy decoradas con esculturas y pinturas.

Visigodo

El arte visigodo fue un estilo cultural dominante en España y Portugal a principios de la Edad Media. Tras la retirada de Roma de la península, los visigodos se trasladaron al oeste y ascendieron al poder en estas regiones. Desde el siglo V hasta el dominio de los moriscos en el siglo VIII, los visigodos produjeron impresionantes obras de arte en metal, piedra, cerámica e iluminaciones.

Influenciado por tradiciones bizantinas, romanas, paganas y cristianas, este estilo es una mezcla de símbolos naturalistas y elementos cristianos. Algunos historiadores del arte se refieren a él como prerrománico, sin embargo, contiene algunos elementos románicos, especialmente en algunas de las arquitecturas supervivientes. Con capital en Toledo, los visigodos desarrollaron las artes decorativas y la joyería con altos estándares produciendo obras como la Corona Recceswinth que ahora se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid.

Esta corona votiva probablemente nunca se usó, sin embargo, se repite esta composición de una corona colgante con colgantes, piedras preciosas, cruces y letras. La Corona Reeceswinth forma parte del Tesoro de Guarrazar, uno de los descubrimientos medievales más significativos de España. El tesoro contenía 26 coronas votivas y cruces con joyas. Las coronas votivas son un tipo de artefacto único; se colgarían sobre un altar cristiano como una especie de sacrificio a la iglesia. ¡Al menos facilitaría la observación de la artesanía altamente calificada! La ubicación de las piedras preciosas, la decoración de alambre de oro y la estética general están fuertemente influenciadas por los estilos bizantinos, y esto es típico de los objetos visigodos.

En arquitectura, los visigodos trajeron y adaptaron muchos elementos romanos. La mayoría de las iglesias supervivientes están construidas sobre un plano de basílica y esos supervivientes contienen capiteles y puertas finamente talladas. Los capiteles de columnas usan hojas, enredaderas, flores y animales en la tradición clásica, pero envuelven esos elementos alrededor de santos y símbolos cristianos. Es un claro pariente del estilo románico que llegaría a la vanguardia del arte europeo en los siglos IX-XII.

chino

El arte chino representa una de las tradiciones culturales más cohesionadas del mundo. A diferencia de los muchos cambios y variaciones de Europa a lo largo del período medieval, los artistas y mecenas chinos eran muy conscientes de su herencia y motivos tradicionales. Inherente a la cultura china es un fuerte deseo de mantener la coherencia y la estima ancestral, lo que significa una relación clara a lo largo de un milenio de arte y estilo.

La naturaleza fue un tema destacado y los artistas chinos exploran constantemente la conexión entre la naturaleza y la humanidad. Los animales, los árboles, las rocas, el agua y las flores eran temas populares.

La China medieval produjo una amplia gama de arte y artefactos artísticos y fue innovadora en la adaptación de materiales. La porcelana y otras cerámicas especiales son el resultado de artistas y centros de producción chinos. Las teorías del taoísmo, el budismo y el confucianismo dejaron huella en los estilos chinos a lo largo de la Edad Media. Los pintores experimentaron con el arte representativo, jugando con la perspectiva, los tamaños relativos, las líneas y el minimalismo. Durante la dinastía Tang (618-907 d.C.), las influencias de la India alentaron a los artistas a probar nuevos medios como pinturas rupestres, esculturas de tamaño natural y arquitectura decorativa.

Carolingio

Carlomagno imitó activamente las tradiciones y los estilos imperiales romanos, incluidos sus esfuerzos por fomentar y fomentar los centros creativos de producción artística. Los diferentes estilos surgieron de los talleres en Aquisgrán, Metz, Reims, Corbie, Tours y Saint-Denis. Hubo un enorme énfasis en imitar motivos clásicos, pero aparentemente poco interés en la invención. Donde radica la principal diferencia es en la función de los objetos de arte. Una gran cantidad de arte romano era conmemorativo, público y de gran escala.

Casi todo el arte carolingio conocido es pequeño, decorativo y privado, excepto en el caso de la arquitectura. La misma dedicación al patrocinio real existe en los dos períodos y Carlomagno y sus hijos fueron muy influyentes en traer esta práctica de regreso a Europa occidental.

Los artefactos de metal, los manuscritos y los paneles de marfil tallado son los principales supervivientes de los períodos carolingio 9-10. Como la mayoría del arte medieval temprano, muestran una variedad de tamaño, profundidad, proporción y perspectiva más alejada de la realidad que las composiciones clásicas. Debido a la larga y lenta difusión del cristianismo, los símbolos variaron y tardaron décadas en ser "elegidos". Estos símbolos, tomados frecuentemente de las sectas romanas, requirieron la interpretación de los líderes religiosos, por lo que las comunidades religiosas se convirtieron en centros de producción de arte. Carlomagno usó esta conexión a su favor cuando empujó su imperio hacia el norte y el este e implementó la uniformidad cultural.

Las señas de identidad del arte carolingio involucran motivos de las tradiciones artísticas romanas, celtas y nórdicas. Con un gran número de monjes y artistas educados que se mudaron de Irlanda y el norte de Inglaterra a Francia, su estética se mezcló con el creciente interés por las formas clásicas en el siglo IX. Rostros alargados, ojos grandes, figuras humanas desproporcionadas y un énfasis en los símbolos cristianos son características de este período y especialmente en el arte carolingio.

Gelatina

Este estilo escandinavo es difícil de identificar debido a sus diversas formas y distribución geográfica, sin embargo, su nombre proviene de los monumentos del cementerio real de Jelling en Jutlandia, Dinamarca. Las grandes piedras inscritas en el sitio son monumentos funerarios del siglo X con intrincados patrones inscritos, imitados en los artefactos excavados en las tumbas asociadas. Las piedras posiblemente fueron instaladas por Harald Bluetooth a fines del siglo X (después del 983 d.C.) en memoria de sus padres y el artefacto más notable, una copa de plata, ha alimentado importantes debates sobre sus orígenes y motivos decorativos.

El estilo presenta animales en forma de cinta con pronunciados labios entrelazados (a diferencia del estilo Mammen, que es contemporáneo pero típicamente presenta formas zoomorfas independientes) y manos, patas o garras que agarran a los animales o el armazón. El estilo Jelling se ve en múltiples aplicaciones del siglo IX al 10, incluidos collares de caballo, carros, broches, extremos de correa y, por supuesto, la copa Jelling. Los objetos recuperados de los entierros de barcos de Gokstad y Oseberg muestran una decoración de estilo Jelling, incluida la "cadera en espiral" que une las extremidades del animal a su cuerpo.

En las piedras de gelatina, un león se entrelaza con una serpiente y una interpretación escandinava de la crucifixión presenta elementos entrelazados y de estilo gelatinoso. Estas piedras probablemente fueron pintadas y muy coloridas cuando se tallaron por primera vez, creando un monumento único y notable en el paisaje.

Danielle Trynoski obtuvo su maestría en arqueología medieval en la Universidad de York en Inglaterra. Cuando no visita museos y sitios históricos, monta a caballo o lee sobre vikingos. Actualmente vive en el sur de California y administra el sitio web.CuratoryStory.com

Este artículo se publicó por primera vez enLa revista medieval - una revista digital mensual que cuenta la historia de la Edad Media.Aprenda a suscribirse visitando su sitio web.


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