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¿Por qué Shostakovich no lanzó su cuarta, pero lanzó su quinta sinfonía?

¿Por qué Shostakovich no lanzó su cuarta, pero lanzó su quinta sinfonía?


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¿Por qué Shostakovich no lanzó su cuarta, pero lanzó su quinta sinfonía? (El 4to fue lanzado eventualmente, pero no cuando fue escrito)


Se explica a partir de la página 84 de Shostakovich: A Life de Laurel E. Fay. Stalin fue a una actuación de "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk" y se fue temprano. Dos días después (28 de enero de 1936) apareció un editorial en Pravda atacando la ópera, con otro editorial el 6 de febrero de 1936 atacando The Limpid Stream. En el momento del estreno programado del 4, el 11 de diciembre de 1936, la situación era bastante difícil. Shostakóvich había terminado una sinfonía formal mahleriana que estaba en total conflicto con las expectativas de la dirección del Partido. Incluso los músicos se pusieron nerviosos por tocarlo. Así que un nervioso Shostakovich, posiblemente con la participación del director Stiedry, lo sacó. Es bastante difícil imaginar cómo debe haber sido intentar componer música en el Terror de 1936-7.

Shostakovich comenzó a escribir el quinto, haciéndolo menos complejo y más optimista (aunque más tarde sostuvo que el optimismo de la música estaba claramente bajo presión). Se las arregló para acertar en la política y la música al producir, como él lo describió, "una respuesta creativa constructiva de un artista soviético a la crítica justa", con un aplauso entusiasta a fines de 1937. Cómo lo hizo es más una pregunta para un artista clásico. foro de música, no uno de historia.


Pensamientos en un tren

Con la Sinfónica de Harrisburg tocando la Sinfonía n. ° 6 de Shostakovich & # 8217 unos días después de que una temporada de elecciones presidenciales sobrecalentada finalmente llegara a su fin, pensé que podría valer la pena investigar la política detrás del mundo sinfónico de Shostakovich & # 8217, especialmente en lo que respecta a la 5º y 6º.

(La sinfonía la presenta esta noche, sábado 10 de noviembre a las 8 p.m. y nuevamente mañana, domingo 11 de noviembre a las 3 p.m. en el Forum en el centro de Harrisburg. Timothy Dixon ofrece la charla previa al concierto una hora antes de cada presentación. El programa también incluye a Haydn & # 8217s Symphony No. 102 y el ganador de este año & # 8217s Estrella naciente Concurso de conciertos, Julia Rosenbaum, una violonchelista de 16 años que interpreta a Tchaikovsky & # 8217s & # 8220Rococo Variations & # 8221.

La Sexta Sinfonía siempre me ha parecido un poco extraña: un primer movimiento muy largo, oscuro y profundamente intenso que tarda entre 17 y 19 minutos en ejecutarse, seguido de dos movimientos extrovertidos que, juntos, suman tal vez entre 12 y 13 minutos. Las proporciones son una cosa & # 8211 mi primer pensamiento fue que quizás no había & # 8217t tiempo para escribir un final adecuado para equilibrar el primer movimiento hasta que, por supuesto, te das cuenta de que nada puede venir después de este final. En realidad, lo primero que pensé, cuando escuché esto por primera vez en una transmisión de radio por la tarde en la década de & # 821670, fue que alguien había recibido el registro incorrecto para la segunda mitad y estábamos escuchando, yo no & # 8217t ¿Conoce los movimientos de uno de los alegres ballets populistas de Shostakovich? Pero no, descubrí más tarde, revisando una grabación diferente que encontré en la biblioteca de música, que & # 8217 es la forma en que fue escrita. ¿Cómo & # 8230 desequilibrado? ¿Fuera de proporcion? ¿Estaba escribiendo el primer movimiento para algo y luego decidió que no podía ir en la dirección que apuntaba y dio un paso atrás, probablemente para evitar las críticas del gobierno de Stalin, tal vez? & # 8211 o qué?

Por supuesto, Shostakovich era un compositor especialmente privado que rara vez dejaba caer pistas sobre lo que estaba pasando por su mente cuando componía, sin importar qué tentaciones pudiéramos escuchar en la música. Y lo que podríamos escuchar hoy podría ser muy diferente de lo que escuchó un oyente soviético en 1939 & # 8211 o de lo que podría haber oído un burócrata soviético, en comparación con un amante de la música que asiste a conciertos (también conocido como & # 8220intelectual & # 8221).

El sexto está muy envuelto en las secuelas del conflicto político en el que se encontró Shostakóvich en 1936 después de que Stalin abandonara una representación de su ya popular ópera. Lady Macbeth del distrito de Mtsensk y un ataque contra el compositor y su estilo apareció en Pravda, el principal periódico del Partido Comunista de la Unión Soviética: & # 8220 Muddle en lugar de Music, & # 8221 se llamaba, y el resultado fue que Shostakovich descubrió que su música de repente se quitó Los programas de conciertos y los encargos de nuevas obras se cancelaban o empezaban a agotarse.

Ya había comenzado a trabajar en su cuarta sinfonía, un vasto complejo de una hora de tres movimientos muy disonantes, a veces sombríos o violentos. Lo completó unos meses después de que apareciera el artículo en Pravda. Fue en el ensayo más tarde ese año, pero a medida que se desarrollaba el proceso, la dirección de la orquesta prevaleció sobre Shostakovich para retirar el trabajo y cancelar la actuación. No se dio ninguna explicación y se tomó la decisión de parecer completamente del compositor y del propio. Dejó la sinfonía a un lado y la estrenó solo en 1961, unos 25 años después, pero nunca ajustó el número de la sinfonía ni la revisó.

Puede leer más sobre los aspectos políticos y artísticos de este período en la vida de Shostakovich en una publicación anterior sobre su quinta (y también décima) sinfonías.

Siendo la política lo que era, mientras Stalin intentaba controlar a la oposición (si no eliminarla), parecía que incluso los artistas no eran inmunes a lo que se conoció como Stalin & # 8217s Terror & # 8211, lo que resultó en una serie de purgas que comenzaron el año siguiente. . Durante ese tiempo, muchos de los amigos y colegas artistas de Shostakovich fueron detenidos y arrestados. Su cuñado, un físico, fue arrestado en medio de la noche y enviado al exilio con su esposa sin previo aviso. La suegra de Shostakovich también fue arrestada y exiliada, también sin explicación.

Tukachevsky
Un joven que estaba empezando a dejar su huella en la música soviética, Dmitri Shostakovich, que aún no tenía 30 años cuando apareció por primera vez impresa la peor de todas las malas críticas posibles, se había hecho amigo del general Tukachevsky, amante de la música, que más tarde fue arrestado por su presunta mala crítica. papel en un complot para asesinar a Stalin. En la primavera de 1937, Shostakovich fue llamado e interrogado sobre su & # 8220relación & # 8221 con el general Tukachevsky: eran veladas musicales, cenas donde Shostakovich era uno de los invitados, pero el interrogador seguía refiriéndose a estas & # 8220 reuniones & # 8221 y preguntando, por ejemplo, quién más asistió (& # 8220sólo miembros del círculo familiar & # 8221), si hubo políticos presentes (& # 8220no, no hay políticos & # 8221), qué discutieron (& # 8220music & # 8221), y , aunque Shostakóvich juró que no se hablaba de política en su presencia, ¿qué había oído sobre el complot para asesinar al camarada Stalin? Como se negó a responder más preguntas, su interrogador le dijo que regresara el lunes (esto, habiendo tenido lugar el viernes) con la advertencia de que tal vez, con el fin de semana para pensarlo, recordaría todos los detalles que había escuchado. sobre la trama de Tukachevsky. Convencido de que lo arrestarían, hizo los preparativos necesarios con su familia y regresó al edificio de la KGB solo para que le dijeran que podía irse a casa: su interrogador, el camarada Zanchevsky, & # 8220 no estaba & # 8217t entrando hoy, así que no hay nadie. para recibirlo. & # 8221 Más tarde, descubrió que su interrogador había sido arrestado.

Así fue como Dmitri Shostakovich evitó el arresto. No es que no pudiera & # 8217t llegar en otro momento, pero él vino tan cerca a eso, ya.

Nosotros en los Estados Unidos tendemos a no ser conscientes de estos problemas cuando se trata de nuestros artistas, si es que somos conscientes de ellos, así que menciono esto solo como base para entender algo sobre la Quinta Sinfonía que compuso a continuación y la Sexta Sinfonía que lo siguió un año después.

La mayoría de los asistentes al concierto pueden estar al tanto de la naturaleza de la Quinta Sinfonía y su subtítulo, & # 8220 Una respuesta de artistas soviéticos a la crítica justa & # 8221 que, dicho sea de paso, no se originó con el compositor sino con un crítico en alguna parte y Shostakovich, tal vez un poco. Demasiado conmocionado todavía, no pudo encontrar una manera de rechazar con gracia el apodo.

Mravinsky y amp Shostakovich, años 30
Baste decir que el 5 fue un gran éxito popular y el joven director Yevgenny Mravinsky, que lo estrenó, mantuvo la partitura sobre su cabeza ante los continuos vítores del público. Estos dos enlaces lo llevarán a videos de la obra grabados por Mravinsky primero en 1973 con una orquesta no especificada (pero asumiría la Filarmónica de Leningrado) y nuevamente en 1983 con la Filarmónica de Leningrado de gira en Minsk. Hay, quizás, mejores grabaciones y quizás incluso mejores (ciertamente diferentes) actuaciones disponibles en YouTube & # 8211 es & # 8217 es un trabajo muy popular & # 8211 pero ¿con qué frecuencia ves a la persona que lo trajo por primera vez al mundo?

El quinto se estrenó en diciembre de 1937. Había comenzado a trabajar en él a mediados de abril, a principios de ese año. Ahora, mire hacia atrás algunos párrafos y vuelva a leer sobre ese interrogatorio: que tuvo lugar en la primavera de 1937.

Tras el éxito de la Quinta Sinfonía y su rehabilitación como artista soviético, Shostakovich anunció que pronto estaría trabajando en una & # 8220 gran sinfonía dedicada a Lenin & # 8221. Los informes indicaron que sería una sinfonía de cuatro movimientos con coro (y solistas , en algunas menciones) ambientación de poemas de Mayakovsky y dos poetas soviéticos no rusos, uno de Kazajstán y otro de Daguestán.

En su sustancial colección de reminiscencias de primera mano, Shostakovich: una vida recordada, Elizabeth Wilson incluye esta declaración de Isaak Glikman, un amigo personal cercano de Shostakovich & # 8217s y un conocido crítico e historiador de teatro de Leningrado. [Mis comentarios están en cursiva entre paréntesis.]

La Sexta Sinfonía estaba prevista para la inauguración de la temporada de otoño de 1939 de la Filarmónica de Leningrado. Fue esperado con impaciencia.

Shostakovich y amp Sollertinsky, años 30
Mucho antes del estreno Dmitri Dmitriyevich [Shostakovich] nos mostró la sinfonía a Ivan Sollertinsky y a mí [Sollertinsky era un amigo cercano y, entre otras cosas, director artístico de la Filarmónica.]. Jugó el final dos veces y, en contra de su costumbre, lo elogió él mismo: & # 8216Es & # 8217 la primera vez que escribí un final tan exitoso. & # 8217 [Esto, después de haber completado recientemente la Quinta?!] & # 8216Creo que incluso los críticos más exigentes no tendrán & # 8217 nada que elegir. & # 8217 No dijo nada sobre el primer y segundo movimiento. Pero hablamos con entusiasmo de la majestuosa belleza del primer movimiento, el Largo, la brillantez del Scherzo y el abrumador y embriagador final. Inmediatamente me enamoré de él y, con poca consideración por la modestia modesta del compositor, expuse con entusiasmo, & # 8216, Si Mozart y Rossini hubieran vivido en el siglo XX y habían colaborado en la escritura del final de una sinfonía, habría resultado así & # 8230 & # 8217

El estreno de la Sexta Sinfonía tuvo lugar el 5 de noviembre de 1939 bajo la batuta de Mravinsky y tuvo un enorme éxito. El final fue codificado & # 8211 algo raro en el estreno de una obra sinfónica & # 8211, pero faltaba la atmósfera cautivadora que invadió la sala en el estreno de la Quinta Sinfonía. Ese concierto en particular había sido un evento único, incluso irrepetible, podría decirse, si Shostakovich no hubiera escrito las Sinfonías Séptima, Octava y Decimocuarta, todas con una fuerza similar de revelación inspirada.

Por motivos muy graves, Dmitri Dmitriyevich no pudo asistir al estreno en Moscú de la Sexta Sinfonía. Me pidió que fuera en su lugar a asistir a los ensayos y al concierto y que le escribiera con mis impresiones. Así lo hice, permaneciendo en Moscú durante un tsay bastante prolongado. Escribiría las cartas por la noche y las enviaría a Leningrado con alguien que viajara en el tren nocturno, de modo que Dmitri Dmitriyevich ya las tuviera en sus manos a la mañana siguiente.

Naturalmente, escondí del compositor los músicos inevitables & # 8217 hablar. Con raras excepciones, me llevó a la desesperación. Algunos músicos sostenían que el engreído joven compositor, habiéndose atrevido a romper con la tradición del ciclo sinfónico, había producido una pieza informe en tres movimientos. Otros insinuaron maliciosamente que Shostakovich se había encerrado en una torre de marfil y ya no sabía lo que sucedía a su alrededor, el resultado fue que la apertura Largo era tan aburrido e inerte que provocó un letargo estupefacto. Y un tercer grupo simplemente se rió de buen corazón, diciendo que el final no era más que una descripción de un partido de fútbol con sus éxitos y reveses. Esta opinión vulgar y trivializada lamentablemente ha persistido y ha ganado una credibilidad generalizada.

[Al leer esto, recordé mis propias reacciones iniciales al escuchar la pieza: tal vez las grabaciones que escuché eran & # 8220 aburridas e inertes & # 8221 y, al final, lo suficientemente vulgares como para sugerir un partido de fútbol & # 8217s frenesí.?]

Glikman en años posteriores
Sin embargo, todas estas discusiones fueron dejadas de lado en el estreno de esta brillante obra, cuando se representó en el Gran Salón del Conservatorio. Pero, curiosamente, cuando regresé a Leningrado, no pude deshacerme del recuerdo de estas conversaciones durante mucho tiempo.

Después de la Sexta Sinfonía, que despertó tanta censura, Shostakovich escribió su Quinteto para piano en el verano de 1940 [sólo siete meses después] fue recibido con gran aclamación tanto por el público como por la crítica, y la opinión fue unánime. Cada actuación de los maravillosos cuartetos de cuerda de Glazunov y Beethoven con el compositor al piano fue aclamada como un gran acontecimiento en la vida musical de Leningrado y Moscú.
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En el estreno del quinteto de piano, 1940
Sigue una anécdota sobre la verdadera razón del compositor para agregar un piano a lo que estaba planeado como su segundo cuarteto de cuerdas: pensó que los cuartetos no podrían tocarlo sin él, por lo que finalmente podría viajar de nuevo: & # 8220 Tendré la oportunidad de ver el mundo. Glikman termina diciendo: pero por la expresión de su rostro era imposible saber si estaba bromeando o no. Tuvimos esta conversación en el verano del año anterior a la guerra & # 8221 (1940).

Por cierto, si alguien se pregunta qué sucedió con la Gran Sinfonía dedicada a Lenin, se hicieron informes similares nuevamente relacionados con la próxima Séptima Sinfonía, que, sin embargo, escrita durante la Segunda Guerra Mundial y el horrible asedio de Leningrado por los nazis, resultó para ser un trabajo completamente diferente. Luego, una vez estrenada la Octava Sinfonía, otra de sus Sinfonías de Guerra, se habló de una gran sinfonía en honor a Stalin que, sin explicación, resultó no ser la celebración heroica que culminaría los Años de Guerra en la Música, sino para ser un trabajo bastante leve, de hecho un poco al estilo de Haydn que dejó a la gente (al menos a los burócratas) rascándose la cabeza.

En mi publicación sobre las Sinfonías Quinta y Décima, me refiero a la opinión de Shostakovich sirviendo como el "Santo Loco" nacional (en ruso, yurodivy) no el simple "idiota del pueblo" en el que pensamos en Estados Unidos, sino en el clásico sentido eslavo del Loco que es tocado por Dios y, por lo tanto, más cercano a él, a menudo respetado y, en cierto sentido, temido por otros. El ejemplo más famoso de esto sería el simplón de Mussorgsky Boris Godunov donde el tonto se enfrenta al zar y le pide que asesine a los niños que le robaron su centavo como Boris había asesinado al pequeño zaryevich Dmitri, algo que hubiera merecido la ejecución inmediata de cualquier cortesano. Pero en esta escena dramática (que comienza a las 4:00), en cambio, Boris le pide al simplón que ore por él. Lamentablemente, responde el Loco, no puede: la Virgen no lo permite. En la gran escena del bosque, que debería ser la escena final de la ópera, el simplón tiene la última palabra, lamentando el destino del pueblo ruso (en este clip, que comienza alrededor de las 5:40). En la literatura occidental, ¿qué tonto hay más sabio que el del rey Lear?

¿Quizás Shostakovich pensó que el mundo se había desequilibrado por completo y que el final "loco" de este intenso movimiento de apertura de su nueva sinfonía era como el baile del Santo Loco? Hay más para pensar en esto en su Décima Sinfonía, la primera nueva sinfonía que compuso después de la muerte de Stalin: su uso del motivo D.SCH (el monograma de Shostakovich traducido en tonos musicales) al final parece celebrar la supervivencia de Shostakovich tanto como la danza salvaje de un final podría celebrar la muerte de Stalin.

Pero todo esto, como mencioné, es realmente una conjetura. Podríamos decir "ya que Shostakovich nunca lo admitió en forma impresa", pero luego hubo muchos ejemplos de artículos o cartas firmados por Shostakovich que habían sido escritos por funcionarios del partido y que él firmó simplemente para evitar una confrontación política. ¿Era más cínico que simplón? Semyon Volkov está ampliamente desacreditado Testimonio, afirmando ser entrevistas con el compositor poco antes de su muerte y de naturaleza bastante confesional, podría ser incluso más ficción que algo parecido a un hecho a pesar de que Volkov dijo que el compositor firmó las transcripciones que le había entregado, autenticando el material.

Sin embargo, ese es otro tema completamente diferente y aparentemente nunca se resolverá.

Un extracto más de la colección de Elizabeth Wilson & # 8217, este pertenece al estreno de la Quinta Sinfónica. Parece que no todos los burócratas del gobierno estaban convencidos de que era una obra maestra, ya que había sido aclamada por la audiencia. Estos son de las reminiscencias de otro director de la Filarmónica de Leningrado, Mikhail Chulaki, quien, en 1948, se uniría al gobierno para condenar a Shostakovich por su estética & # 8220 formal & # 8221 al escribir obras sinfónicas según el modelo alemán.

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En otras palabras, [la Quinta Sinfonía] era accesible a los oyentes profesionales sin hacer concesiones a las pretensiones del público en general & # 8211 ese mismo público en general que tan grandilocuentemente se refería a sí mismo como & # 8216 the People & # 8217 (o se encargaba de hablar a nombre de & # 8216the People & # 8217) & # 8230

Pero había otra categoría de personas que tenían una lealtad particular al arte: el estrato burocrático. Formularon los juicios de las autoridades a través de la redacción de informes oficiales en los que intentaron adivinar cuáles podrían ser las opiniones de los jefes al respecto. Y por el amor de Dios [interesante elección de expresión, dada la impía sociedad comunista, aquí], si se equivoca, podría costarle su puesto.Su ansiedad por ser & # 8216 más católicos que el Papa & # 8217 estaba motivada por el deseo de garantizar su propia seguridad. Por lo tanto, evaluaron la composición por la cantidad de disonancias y sus desviaciones del estándar & # 8216norms & # 8217 de la música popular y clásica & # 8230

[Teniendo en cuenta los informes sobre el estreno de la Quinta Sinfonía & # 8217], esta & # 8230 provocó un disgusto extremo en los círculos oficiales, ya que fue visto como un comentario explícito con respecto a las críticas expresadas en las páginas de la prensa del Partido [sobre los peligros de & # 8220excessive success & # 8221]. Seguramente, el compositor no pudo haber & # 8216 reestructurado & # 8217 su perspectiva y creado una sinfonía 100% soviética en tan poco tiempo? Y lo que es más, aún no se había formulado ninguna opinión oficial sobre la sinfonía. Entonces, ¿qué significó esto & # 8211 una demostración?

Inmediatamente, dos altos funcionarios del comité responsable de las artes, V. N. Surin y B.M. Yarustovsky, fueron enviados a Leningrado. Estuvieron presentes en una de las próximas actuaciones de la sinfonía. Su misión era averiguar cómo los organizadores del concierto habían logrado inspirar un éxito tan contundente y demostrativo. Yarustovsky & # 8230 acababa de presenciar personalmente el triunfo inaudito de Shostakovich & # 8217, hizo un flujo constante de comentarios sarcásticos, gritando para hacerse oír por encima del ruido en la sala. & # 8220 Solo mira, todos los asistentes al concierto han sido seleccionados uno por uno. Estos no son asistentes normales a conciertos. El éxito de la sinfonía # 8217 ha sido fabricado de la manera más escandalosa, & # 8221 y así sucesivamente. En vano, como director de la Filarmónica, traté de convencer al funcionario rabioso de que el público que asistía al concierto había comprado entradas en taquilla de la manera habitual. Yarustovsky, apoyado por el silencioso Surin, permaneció implacable & # 8230.

[Finalmente] el Comité del Partido del Distrito de Leningrado & # 8230 [organizó] una actuación especial de la sinfonía para los [burócratas]. En mi calidad de director de la Filarmónica, fui convocado por el comité local responsable de las artes para ver a un tal Rabinovich, una marimacha muy decidida [eso & # 8217 es una cita exacta, por cierto]. Puedo reproducir exactamente el siguiente diálogo, tal como está impreso en mi memoria palabra por palabra.
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Sin embargo, en aras de lo que pasa por espacio, debo resumir: el programa sugerido por Chulaki & # 8217s incluía la obertura y algunas arias de Glinka & # 8217s Ruslan y Lyudmilla, Tchaikovsky & # 8217s Overture, & # 8220Francesca da Rimini & # 8221 y luego, después del intermedio, Shostakovich & # 8217s 5th Sinfonía. Rabinovich, desafortunadamente, no le gustó y sugirió que había demasiadas sinfonías, diciendo: Necesitamos algo para la gente, y además, ¿qué es esto, Franchyoska, Franchyoska, 8221? explicó que era una obertura de fantasía no demasiado larga, el camarada Rabinovich le dijo que podían tocar & # 8220b ambas sinfonías & # 8221 en la primera mitad y luego concluir con una actuación del Red Army Ensemble. Desafortunadamente, estos últimos estaban de gira y no estaban disponibles, por lo que sugirió a los bailarines Moisseyev y su orquesta de instrumentos folclóricos, sugiriendo primero que, dado que ya tenían una orquesta en el escenario, ¿por qué no usar la Filarmónica en lugar de la orquesta folclórica de balalaikas y shepherd & #? 8217s flautas? La cuestión del espacio en el escenario para los bailarines con una orquesta de 105 no tenía sentido para ella: & # 8220 bueno, ¡ponga su orquesta en el foso! & # 8221

Finalmente, se dio el concierto: la obertura de Tchaikovsky & # 8217 y la nueva Quinta Sinfonía de Shostakovich se dieron en la primera mitad muy larga y los bailarines Moisseyev llenaron la segunda mitad, bailando con su propia orquesta después de todo.

Para reanudar la reminiscencia de Chulaki & # 8217:

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Muchos años después, como quiso el destino, Shostakovich y yo estábamos siendo tratados en la misma clínica [médica]. Recordamos ese gigantesco concierto organizado para & # 8216the People & # 8217 por la dama oficial, Rabinovich. Shostakovich me contó cómo había estado caminando arriba y abajo en un estado de agitación en el llamado vestíbulo & # 8216blue & # 8217 fuera del pasillo. Allí se podía escuchar todo perfectamente. Francesca da Rimini estaba llegando a su fin y se acercaba su hora de agonía. [Obviamente tenía motivos para estar nervioso: ¿y si los burócratas decidieran que su sinfonía no era una respuesta adecuada a sus críticas??] Justo cuando empezaron los aplausos, tras el final de la llamada & # 8216Franchyoska, & # 8217 el escritor X [así identificado en la carta de Chulaki & # 8217s], el más amable y amable de los hombres, y uno de los escritores más queridos y leídos del país, entró corriendo en el vestíbulo. Arrojándose sobre el cuello de Shostakovich con lágrimas de gratitud en los ojos, exclamó: & # 8216Mitya [el apodo de Dmitri], ¡Siempre supe que podías escribir música hermosa y melódica! & # 8221 Shostakovich estaba tan conmovido por esta muestra de amistad y lealtad que, como me dijo riendo, & # 8220 no & # 8217 tuve el corazón para decírselo. que fue [por] Tchaikovsky. & # 8221
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Y estas son las personas que determinaron que Shostakovich era un mal compositor que necesitaba ser disciplinado y casi lo lleva al suicidio & # 8230

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Las reminiscencias de Glikman y Chulaki, citadas de cartas, ensayos y entrevistas, se encuentran en Elizabeth Wilson Shostakovich: una vida recordada, Faber & amp Faber (Londres 1994), segunda edición, tapa blanda, publicado en los Estados Unidos por Princeton University Press en 2006 a tiempo para el año del centenario de Shostakovich.


La Quinta Sinfonía de Beethoven se estrena mundialmente en Viena

Si las críticas iniciales no la reconocieron como una de las mejores piezas musicales jamás escritas, es necesario comprender las condiciones adversas en las que se escuchó por primera vez. La sala de conciertos estaba helada, pasaron más de dos horas en un gigantesco programa de cuatro horas antes de que comenzara la pieza y la orquesta tocó lo suficientemente mal ese día como para obligar al compositor casi sordo, que también actúa como director y pianista, a detener el conjunto a la mitad. en un solo pasaje y empezar de nuevo desde el principio. Fue, en general, un comienzo muy desfavorable para lo que pronto se convertiría en la pieza de música clásica más reconocible del mundo y # x2019: Ludwig van Beethoven & # x2019s. Sinfonía n. ° 5 en do menor, Op. 67 & # x2014the & # x201CFifth Symphony & # x201D & # x2014que ​​recibió su estreno mundial el 22 de diciembre de 1808.

También se estrenó ese día en el Teatro an der Wien en Viena fueron Beethoven & # x2019s Concierto para piano n. ° 4 en sol mayor, Op. 58, y el Sinfonía n. ° 6 en fa mayor, Op. 68 & # x2014the & # x201CPastoral Symphony. & # X201D Pero fue la Quinta Sinfonía la que, a pesar de su inestable estreno, eventualmente sería reconocida como el mayor logro de Beethoven hasta ese momento de su carrera. Escribiendo en 1810, el crítico E.T.A. Hoffman elogió a Beethoven por haber superado a los grandes Haydn y Mozart con una pieza que & # x201Cbre el reino de lo colosal e inconmensurable para nosotros & # x2026 evoca terror, miedo, horror y dolor, y despierta ese anhelo interminable que es la esencia del romanticismo. & # x201D

Esa evaluación resistiría la prueba del tiempo, y la Quinta Sinfonía se convertiría rápidamente en una pieza central del repertorio clásico de las orquestas de todo el mundo. Pero más allá de sus cualidades revolucionarias como una composición seria, la Quinta Sinfonía también ha demostrado ser una obra con un enorme poder de permanencia en la cultura pop, gracias principalmente a su poderoso motivo de apertura de cuatro notas y tres sol cortos seguidos de un mi bemol largo. Utilizado en la Gran Bretaña de la Segunda Guerra Mundial para abrir transmisiones de la BBC porque imitaba el código Morse & # x201CV & # x201D para & # x201CVictory, & # x201D y utilizado en la era discográfica de Estados Unidos por Walter Murphy como base para su improbable éxito pop # 1 & # x201CA Fifth Of Beethoven, & # x201D las notas iniciales de Beethoven & # x2019s Fifth Symphony se han convertido en una especie de taquigrafía musical instantáneamente reconocible desde que fueron escuchadas por primera vez por el público. & # xA0


Todo menos la música

Hace unos años, algunos amigos y yo diseñamos un torneo de corchetes al estilo de la NCAA para determinar el mejor compositor de todos los tiempos a través de una rigurosa serie de discusiones. La abrumadora mayoría de los humanos probablemente declararía que discutir sobre quién era mejor / más importante entre Ravel y Schoenberg es una pérdida de tiempo inútil. El hecho de que sean correctos no significa que todavía no pueda tener beneficios hablar de música, sin importar cuán inusualmente sea, está lejos de ser inútil.

Es con ese mismo espíritu general en mente que los invito a mi mundo de clasificar aleatoriamente cosas como las mejores sinfonías basadas únicamente en su número. Probablemente parezca una idea ridícula, y lo es, pero todavía te hace pensar en buena música y, en última instancia, eso es bueno. Lea esto y piense en ello. Aún mejor, escuche la música y califíquela usted mismo. Piense en mí como un líder de culto y la música clásica como el cianuro Kool-Aid. Hazlo ahora.

Mención de Honor: Sinfonía núm. 5 1/2 por Don Gillis

Originalmente pensada para ser su Sexta Sinfonía, Gillis terminó yendo a la mitad debido a la naturaleza alegre de la obra. Incluso satirizó la forma sinfónica en los movimientos & # 8217 títulos: ¿Emoción perpetua, espiritual ?, Scherzofrenia y ¡Conclusión! Esto es tan poco serio como la música, pero PDQ Bach no lo es. Gillis tiene ese estereotipado sonido & # 8220American & # 8221 a una ciencia, y su habilidad para el ritmo está en plena exhibición. No puedo entender por qué esta pieza se realiza tan nunca. Es como Baby Bear & # 8217s gachas & # 8230 la cantidad justa de casi todo.

10) Sinfonía núm. 5 & ​​# 8216Reforma & # 8217 por Felix Mendelssohn

Esta fue en realidad la segunda sinfonía que escribió Mendelssohn, pero no se publicó hasta un año después de la muerte de su compositor, por lo que se numeró en último lugar. Mendelssohn, nieto de uno de los filósofos judíos más destacados de todos los tiempos, era él mismo un devoto luterano, por lo que el 300 aniversario de la Confesión de Augsburgo demostró ser una buena razón para componer una sinfonía en honor a Martín Lutero (quien , como casi todos los demás en ese momento, era antisemita y no se puede inventar esto). Esté atento a la lista de mis diez artículos de fe favoritos de Augustana & # 8230

La sinfonía en sí es una obra maestra expresiva. Desde los acordes del & # 8220Dresden Amen & # 8221 en el primer movimiento hasta la orquesta completa aplastando el propio coral de Luther & # 8217 & # 8220A Mighty Fortress Is Our God & # 8221 al final, la pieza recorre toda la gama de emociones. Y es una pieza que parece encapsular el espíritu del romanticismo en su conjunto: ¿un judío convertido que escribe música programática en alabanza de una figura histórica que triunfa sobre la lucha? ¿Dónde he escuchado eso cientos de veces antes?

9) Sinfonía núm. 5 por Ralph Vaughan Williams

Vaughan Williams & # 8217 Fifth Symphony comparte un par de cosas interesantes en común con la Quinta Sinfonía de Dmitri Shostakovich, una pieza que (SPOILER ALERT.) Veremos en esta lista más adelante. Ambos suenan muy diferentes a las sinfonías que los precedieron inmediatamente. Ambos están ahora asociados con lo que creemos que son sus compositores & # 8217 & # 8220sounds & # 8221. El núcleo emocional de ambos está en los movimientos lentos. Eso es todo, pero literalmente solo pensé en eso. Tratar con él.

Gran parte de la música de esta sinfonía está relacionada con la ópera Vaughn Williams & # 8217 El peregrino y el progreso # 8217s, que finalmente se estrenó casi una década después. Hay muchas cosas que me gustan de esta sinfonía: un magnífico movimiento lento, una especie de Sorpresa-Ambiente de sinfonía sobre crack al scherzo, y la forma siempre agradable de pasacalles. Además, hay & # 8217s un & # 8220Dresden Amen & # 8221 en el primer movimiento! Prometo que el Dresden Amen no volverá a aparecer, a menos que se le cambie el nombre Parsifal & # 8220Sinfonía núm. 5 & ​​# 8221 mientras escribía esto.

8) Sinfonía núm. 5 de Franz Schubert

Aparentemente, el número ocho seguido de un paréntesis significa smiley con gafas de sol. Gracias, internet. Avanzando & # 8230

Schubert le debe una gran punta de su sombrero o un abrazo o algo a Haydn y Mozart (y, sin embargo, cuando trato de abrazarlos, de repente se lanzan acusaciones) por establecer los modelos para esta sinfonía. No hay nada de malo en tomar franquicias exitosas y actualizarlas para sus propios fines. Piense en Schubert 5 como las nuevas películas de Batman sin Christian Bale y el acento completamente loco de Batman, pero aún con las ocurrencias de Michael Caine.

Me gusta especialmente el segundo movimiento, que se parece tanto a Haydn que Haydn debería actualizar su protección contra el robo de identidad a Code Blue. Este Andante tiene un arco maravilloso, completo con las modulaciones que caracterizarían las últimas obras de Schubert (aunque murió a los 31, tan tarde es un término bastante relativo). Asimismo, ambos movimientos externos tienen la energía rítmica que florecería con toda su fuerza en el Schubert & # 8217s Novena sinfonía, que es bastante bueno.

Grabación recomendada: No es ningún misterio aquí que tengo un sesgo asqueroso hacia Otmar Suitner, pero realmente te lo debes a ti mismo escuchar su Schubert, porque es jodidamente increíble. Este disco junto con el Unfinished probablemente no valga los $ 80 que aparentemente cuesta nuevo, pero hay copias usadas y son razonables.

7) Sinfonía núm. 5 por Sergei Prokofiev

Prokofiev escribió su Quinta sinfonía en aproximadamente un mes durante el verano de 1944, que creo que fue una época muy pacífica en la Rusia soviética. En realidad, era lo más seguro posible para Prokofiev, que había regresado una década antes a Rusia después de vivir en el extranjero. Como todo lo demás durante este tiempo, estuvo sujeto a las leyes de censura impuestas por el régimen de Stalin, y la lectura de las propias palabras de Prokofiev sobre la sinfonía, fue pensada como

un himno al Hombre libre y feliz, a sus poderosos poderes, a su espíritu puro y noble & # 8230 No puedo decir que escogí deliberadamente este tema. Nació en mí y clamó por expresión. La música maduró dentro de mí. Me llenó el alma.

definitivamente emite esa vibra forzada espeluznante que tiene el chico blanco en este video de Ride the Train o que tienen los actores masculinos cuando tienen una escena de besos con Seabisc & # 8230, me refiero a Julia Roberts. Podría estar viendo esos comentarios con mis gafas Shostakovich, pero ¿no suenan forzados?

No importa. Una cosa que tienen en común Prokofiev y Shostakovich es que la música lo dice todo por sí sola. Prokofiev & # 8217s 5th de hecho refleja esa nobleza y triunfo de una manera típicamente inventiva de Prokofiev. El sello distintivo de la pieza para mí es el final, con una ironía similar a la de Morrisette que es tan sarcástica como cualquier cosa que Mahler haya escrito, especialmente después de la energía frenética que la precede. Pero no duerma con el movimiento lento, que tiene uno de los clímax más desgarradores del repertorio sinfónico.

Grabación recomendada: Normalmente recomendaría un director y una orquesta rusa, y también me gusta Rozhdestvensky aquí, pero algo sobre esta grabación de George Szell / Cleveland Orchestra siempre me ha complacido. El Concierto para orquesta que lo acompaña probablemente sea parte de eso.

6) Sinfonía núm. 5 por Jean Sibelius

Sabes que es un campo abarrotado cuando Sibelius 5 llega al número seis. Sibelius obtiene el primer premio Everything But The Music & # 8220I Don & # 8217t Give a Shit & # 8221 por sus contribuciones a observar el paisaje musical que lo rodea y ser como & # 8220fuck it & # 8221 y hacer lo que te parezca correcto. Todavía no he hecho un trofeo, pero estoy seguro de que lo mostrarán en Finlandia. Con el inicio del doce tonos, el neoclasicismo y todos los demás estilos de principios del siglo XX, Sibelius tuvo una pequeña crisis de identidad, especialmente después de los mal recibidos. Sinfonía núm. 4. Sin embargo, la quinta, una vez que terminó de revisarla, es posiblemente su obra más popular y una de las grandes sinfonías, punto.

Esta sinfonía tiene muchos rasgos característicos, incluyendo Sibelius & # 8217 extraña obsesión por comprimir la sinfonía. Esta compresión todavía estaba evolucionando, y el tempi en la quinta forma, esencialmente, un arco gigante con poca semejanza con la estructura tradicional de tempo sinfónico. Pero muchos de los detalles de la pieza son típicos de Sibelius, y si el hermoso tema & # 8220swan & # 8221 en el final no te deja sin aliento, no mereces respirar y deberías dejarte sin aliento a través de otros. medidas. Estoy escuchando mientras escribo esto, y estoy empezando a ver estrellas y ya no puedo sentir mis globos oculares. Además, el final es LOCO.

Grabación recomendada: Todo el mundo intentará decírselo a Barbirolli, y su grabación con Halle es realmente genial, pero no busque más que el intérprete de Sibelius más subestimado, Alexander Gibson, y la Royal Scottish National Orchestra. De hecho, solo tienes que configurar la caja si puedes encontrarla, porque Gibson es una bestia en Sibelius.

5) Sinfonía núm. 5 por Pyotr Ilyich Tschaikovsky

La primera de nuestras 5 sinfonías de & # 8220fate & # 8221, y la mejor salida de Tschaikovsky & # 8217s (deja de mirarme Patético!) La sinfonía presenta un tema de lema recurrente que aparece en los cuatro movimientos y la transformación del tema del dolor al triunfo es una trayectoria tan fácil de escuchar como la de la música, que es parte de su atractivo. El propio Tschaikovsky consideró que la sinfonía era un fracaso, y los críticos tienden a señalar el final como el punto débil de la sinfonía, pero francamente, eso no es diferente a cualquier otra sinfonía de Tschaikovsky (¡ROAST!).

Sin embargo, esta sinfonía tiene una música absolutamente impresionante. Tomemos la coral de cuerda corta después de la gran oleada ascendente de la orquesta, que es un momento musical tan profundo como cualquier cosa jamás escrita. Tomemos el segundo movimiento & # 8217s segundo tema & # 8230 & # 8230: todos se vuelven locos con el solo de trompa al estilo de John Denver, que es encantador, pero ese segundo tema en los instrumentos de viento es una melodía perfectamente construida y está compuesta a la perfección. Y sean cuales sean las fallas que pueda tener el final, y por muy poco sincero que se perciba que es el final, sigue siendo una conclusión conmovedora y dramática (mi amigo James dice que suena como música de graduación, y tiene razón. La próxima vez que la escuches, di los nombres de tus amigos en voz alta y descubre la magia). En resumen, tiene fallas, pero cuando lo hace bien, realmente, realmente, REALMENTE lo hace bien.

Grabación recomendada: La mayoría de las grabaciones que me gustan de esta pieza son retransmisiones.Hay una actuación increíble de mi hijo Walter Weller y la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, y una actuación maravillosa de cuando estaba con George Szell dirigiendo la Filarmónica de Nueva York. Pero para las grabaciones disponibles, hay una interpretación realmente agradable con Antal Dorati al frente de la Sinfónica de Londres, con un buen Eugene Onegin Polonesa incluida como relleno también.

4) Sinfonía núm. 5 por Anton Bruckner

(Inserte algo acerca de cómo la música de Bruckner se está construyendo y suena como una catedral). En serio, todo el mundo dice que Bruckner & # 8217s es el & # 8220 maestro constructor de catedrales en sonido & # 8221. Esa analogía tiene sentido en el sentido de que Bruckner pasó tanto tiempo en una catedral como yo pasé en los casinos mientras crecía (ninguno de nosotros realmente lo hizo bueno con las damas, o & # 8230 ahora mismo, creo que la única diferencia entre nosotros es que estoy vivo, y él es uno de los mejores compositores de todos los tiempos), pero de alguna manera implica una falta de impulso hacia adelante (es decir, & # 8220 simplemente párate ahí y empápalo todo en & # 8221), lo cual es completamente falso. La música de Bruckner & # 8217 se mueve como esa película Habrá sangre: Puede que vaya lento, pero nunca se detiene y el ritmo acaba siendo su mayor baza. Bruckner es el maestro de la tensión y la liberación, y el Quinta sinfonía es una ilustración notable de esto.

Según WikiPedia, esta sinfonía se conoce ocasionalmente como la sinfonía & # 8220Tragic & # 8221 & # 8220Church of Faith, & # 8221 o Pizzicato & # 8221. He escuchado que se refieren a él como cualquiera de esos tiempos exactamente nunca. Pero he oído que se refieren a él como asombroso, porque lo es. Simplemente empieza a tocarlo: si me estás diciendo que no estás completamente atrapado por los ruidosos pizzicatos y los siniestros sonidos de cuerdas que conducen a la explosión orquestal que sigue, no tienes alma y necesitas comprobarlo. Un adagio de Bruckner típicamente expansivo y hermoso (con una de sus melodías más hermosas para arrancar), un scherzo malo y un final masivo con un final tan pesado como existe sellan el trato. El quinto puede vivir en la sombra del cuarto y # 8217 en atractivo popular, pero lo eclipsa en pura idiosincrasia y patetismo.

Grabación recomendada: Soy un fanático de las grabaciones de Takashi Asahina y Bruckner, y esta grabación en vivo con la Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio es la más disponible, aunque es una descarga de mp3. En el departamento mucho más disponible, obtenga este DVD de Gunter Wand dirigiendo la NDR Symphony. Ambos chicos saben cómo moldear a Bruckner en una T sin que se necesiten 4 meses para superar una actuación (estoy mirando tu versión antigua de Celibidache en Munich).

3) Sinfonía núm. 5 por Dmitri Shostakovich

Escribí sobre Shostakovich 5 no hace mucho, lo que claramente significa que estoy pensando demasiado en ello si vuelvo a pensar en ello. Todo el mundo conoce la historia detrás de la música, y es fascinante o lo que sea, pero tómate un segundo para recordar esa música. Es asombroso. No hay una nota fuera de lugar.

El héroe olvidado del quinto es el tercer movimiento. Con música de tal intensidad dramática flanqueándolo por todos lados, de alguna manera es el movimiento lento más pacíficamente inquieto o inquietantemente pacífico que existe. Siempre que puedas alcanzar el clímax de tu movimiento, usa un xilófono estridente y castigador, tienes que hacerlo, y Shosty lo hizo. Añada el scherzo irreverente y la coda & # 8220your business is regocijo & # 8221 y tendrá el material de la leyenda.

Grabación recomendada: Si vas a escuchar a Shostakóvich, mejor te pongas en ruso. Mravinsky, Kondrashin, Svetlanov, Rostropovich, quien sea. Personalmente, Kondrashin es uno de mis directores favoritos en general, y su lectura del quinto, aunque no es tan estridente y loco como el Mravinsky en Erato, sigue siendo bastante salvaje, pero con mucho mejor detalle, equilibrio e impulso, en mi opinión. Es posible que solo esté disponible en el conjunto completo en los EE. UU., Pero simplemente hágalo. Tienes los recursos.

2) Sinfonía núm. 5 de Gustav Mahler

Y pensaste que solo porque Mahler es mi Dios ahora que tendría su Quinto en el n. ° 1, ¿no? Mahler 5 es uno de los favoritos de la multitud en todo el mundo ahora, lo cual es bastante sorprendente si se considera dónde estaba la música de Mahler hace 70 años. los Quinto es probablemente la más popular de todas las sinfonías de Mahler, y no solo por las famosas Adagietto.

Pocas obras pueden igualar a Mahler & # 8217s Quinto por pura & # 8220 disfrutar el viaje tanto como el destino & # 8221 magia. Pasar de una de las marchas fúnebres más intensamente oscuras y melancólicas a uno de los paseos felices más contrapuntualmente deslumbrantes del repertorio requiere mucha habilidad, fortaleza y tres movimientos interiores. los Adagietto Puede que reciba toda la publicidad, pero la verdadera joya de la sinfonía es el gigantesco scherzo, y no lo digo como trompetista sino como fanático de la buena música. No puedo pensar en un movimiento mejor en ningún lado cuando se trata de transformar el estado de ánimo y la atmósfera de una pieza. Literalmente puedes sentir la metamorfosis del trabajo que se está llevando a cabo.

El final muestra a Mahler en medio de su fase de Bach, ansioso por demostrar a todos que él también podía escribir contrapunto. Y lo hace. Y cuando recupera el coral del segundo movimiento, es como si Dios mismo estuviera haciendo acto de presencia en su cena. Agregue una carrera frenética a la línea de meta que casi garantiza una de esas grandes reacciones de la audiencia donde como 20 personas de las 2500 presentes dejaron escapar un gran grito para energizar a todos los demás. Normalmente soy ese tipo, por lo que vale. Y pocas piezas lo hacen más fácil de hacer que Mahler 5.

Grabación recomendada: Decir que este es un campo abarrotado es como decir que la metanfetamina de cristal es mala para los dientes. Hay tantas grabaciones sangrientas por ahí que es difícil sortear el pantano para encontrar una realmente buena. Pero con Mahler, en caso de duda, vaya con Bernstein.

1) Sinfonía núm. 5 de Ludwig van Beethoven

No es TAN genial, además de ser la pieza musical más perfecta jamás compuesta y la piedra angular de la música occidental. ¿Dónde empezar? Supongo que con el enunciado musical más famoso de la historia registrada y un primer movimiento que es el símbolo del desarrollo. O tal vez el hermoso y divertido segundo movimiento. O tal vez el scherzo saltador. O quizás el final inquebrantablemente triunfante. No importa. Elige una medida. Elige una nota. Elige un descanso. Todo está donde debería estar.

Beethoven y # 8217s Quinto es una de esas cosas que simplemente no se puede negar, sin importar sus sentimientos personales. Si pudiera formar un equipo de baloncesto con cualquier jugador de la historia, elegiría a Magic Johnson. Pero, ¿es el mejor jugador de baloncesto de todos los tiempos? No, realmente no. Si solo pudiera escuchar a un músico pop de los 80 & # 8217, sería Prince y no estaría cerca. ¿Es mejor que Michael? Probablemente no. Así es con Beethoven & # 8217s Quinto. De hecho me gusta Eroica la mayoría de las sinfonías, pero la quinta es simplemente mejor. Todo lo que es genial Eroica ha sido aprovechado, refinado, aerodinámico y ensamblado con fuerza pulverizadora. Beethoven 5 no solo encabeza esta lista, sino que encabeza todas las listas.

Grabación recomendada: La gente intentará decirte que es el Kleiber, pero en realidad prefiero Karajan. Karajan aparentemente está dispuesto a hacer que la sección de viento sea 47 veces más grande de lo que se indica en la partitura, y eso es muy divertido. Definitivamente hay algunas actuaciones más clásicas que son fenomenales (incluidas dos recientes, Jarvi / Bremen y Vanska / Minnesota). Pero hay algo acerca de la alegría pura de posiblemente destruir tus altavoces en el final que hace que Karajan sea el estándar de oro para mí.

Disculpas a: Sinceramente, no le debo a nadie una disculpa. Tal vez Dvorak, cuyo quinto está ciertamente subestimado, pero cuando Mendelssohn Reforma viene en 10, es un hueso duro de roer. Probablemente podría lanzar una disculpa a Bax y Glazunov también, y tal vez a Nielsen. Penderecki y # 8217s Quinta sinfonía está subtitulado & # 8216Korean & # 8217 que es genial. ¿Quizás George Rochberg? Olvida que dije algo. No le debo ninguna disculpa. Puede objetar el pedido si lo desea, pero no creo que pueda objetar el contenido. Por lo tanto, allí.


Cómo no tenerle miedo a Shostakovich

Entonces, mi computadora portátil emite ruidos como una sierra circular porque el ventilador interno no funciona bien, se sobrecalienta rápidamente y decidí: "¿Sabes qué? Voy a escribir otro ensayo sobre Shostakovich, porque ese es el estado en el que están las cosas ahora mismo. Así que, sin más preámbulos, dejemos que & # x27s se meta en ello.

Comencé esta serie la otra semana con una publicación sobre Mahler. Esencialmente, estoy revisando algunos compositores cuya música parece intimidante para los nuevos oyentes, y proporciono algunas ideas para tratar de hacer que esa música parezca menos intimidante. Puede haber una variedad de razones por las que la música de un compositor puede disuadir a los nuevos oyentes; tal vez las piezas sean extremadamente largas, como en el caso de Mahler, o existe un cierto estigma en torno al compositor, o tal vez la obra completa del compositor también lo sea. a menudo generalizado por un puñado de piezas. Este último punto es a menudo cierto con Shostakovich, y como oyente frecuente de sus obras, puedo ver por qué.

Mucha gente me ha dicho que no les gusta Shostakovich: es demasiado ruidoso y descarado, o demasiado aburrido. El uso frecuente de percusión y metales en sus obras orquestales puede resultar desagradable para aquellos (incluyéndome a mí) que prefieren secciones de cuerda o de viento de madera más grandes. Su uso frecuente de citar ciertos pasajes o motivos puede verse como una fórmula y no demasiado revolucionaria en comparación con algunos de los compositores occidentales más vanguardistas de su tiempo. Pero debajo de la superficie de largas sinfonías y marchas de apariencia militante se encuentra una compleja y diversa gama de estilos: obras de cámara, que incluyen cuartetos, quintetos, sonatas y obras para piano solo. También hubo óperas, ballets, conciertos y más. Shostakovich era un verdadero poliestilo, un camaleón musical que podía cambiar fácilmente de un estilo musical a otro. Si bien hay muchos elementos clave que parecen exclusivamente "Shostakovian" que aparecen en muchas de sus obras, también fue capaz de proponer melodías e ideas musicales únicas. Y definitivamente hay una razón histórica para eso.

Como Shostakovich es probablemente el compositor con cuya vida estoy más familiarizado, intentaré que esto sea conciso, pero quiero dar suficiente información para permitir una apreciación. Por lo tanto, trataré de repasar la información más importante para esta publicación, pero le animo a que investigue un poco; se sorprenderá de lo mucho que hay que aprender.

Shostakovich nació en 1906 en San Petersburgo, Rusia. Un prodigio del piano, se matriculó en el conservatorio a los trece años por recomendación de Glazunov (sí, ESO Glazunov), y rápidamente se convirtió en un compositor establecido por derecho propio. La década de 1920 fue una época de gran éxito musical para él. Escribió bastantes piezas pro-revolucionarias y se alegró de apoyar a Lenin, quien alentó el avance de las artes para que Rusia avanzara hacia, si no superase, a Occidente, no solo en la industrialización, sino también en la producción creativa. Hasta alrededor de 1936, las obras de Shostakovich fueron a menudo de naturaleza vanguardista, rebosantes de nuevas ideas y sátira ingeniosa. Sin embargo, todo esto cambió el 28 de enero de 1936.

Dos días antes, Stalin -ahora en el poder- había ido a ver la ópera de Shostakovich & # x27, & quotLady MacBeth del distrito de Mtsensk & quot; estaba recibiendo críticas positivas de los críticos y fue aclamada como una obra que glorificaba al Estado al demostrar cuán opresiva y opresiva la vida al revés en la Rusia zarista había sido. Sin embargo, cuando Stalin fue a ver la ópera, salió a la mitad, disgustado. El periódico estatal, Pravda, pronto publicó un artículo llamado & quot; Muddle en lugar de música & quot; que ridiculizaba la música de la ópera (a diferencia del libreto o la actuación) como & quot; formalista & quot; lo que en este contexto histórico, en el corto plazo, significaba demasiado. no conforme al gusto del Estado. Shostakovich fue humillado. Peor aún, este año marcó los ataques a su familia y colegas durante las Grandes Purgas (finales de 1935-1938), donde cualquier artista o intelectual considerado demasiado subversivo estaba en peligro de ser desterrado, encarcelado o ejecutado. Muchas personas cercanas a Shostakovich fueron atacadas, y él estaba increíblemente nervioso, durmiendo fuera de su apartamento con una maleta llena en el posible caso de que se lo llevaran. Si esto sucediera, no quería que su familia viera algo así. Afortunadamente, nunca lo hizo, probablemente debido a su estatus como una celebridad internacional, pero aún necesitaba dar forma a su acto, no fuera a encontrarse con el destino de tantas personas con las que se asociaba. Ese mismo año, retiró su cuarta sinfonía de ser demasiado "formalista" después de un ensayo.

En 1937, lanzó su quinta sinfonía, que fue popular tanto entre el gobierno como entre el pueblo. Le devolvió el favor, pero por el resto de su vida, lucharía a través de una especie de acto de equilibrio, creando piezas que fueron recompensadas o ridiculizadas. Algunas de sus piezas fueron censuradas o prohibidas, y otras recibieron prestigiosos premios. Esto llevó a algunas personas en Occidente a creer que él era un títere para el Estado, inclinándose ante lo que quisieran que escribiera, o un disidente secreto que albergaba un odio amargo por su tierra natal. Una & quotautobiography & quot se publicó después de su muerte en 1975 llamada & quotTestimony & quot, que parecía confirmar el segundo, aunque la mayoría de las personas que lo conocían creen que era una falsificación, dejándonos con más preguntas sobre quién era realmente este hombre.

Tanto a los musicólogos como a los entusiastas de la música les encanta discutir sobre cuáles eran las verdaderas intenciones de Shostakovich, pero sus sinfonías no se pueden interpretar fácilmente. Pero un lado mucho más complicado de él surge cuando se examinan sus trabajos de cámara y vocales. Aquí, vemos una serie de cosas interesantes que resuelven algunas preguntas y plantean aún más: su cantata satírica, el & quot antiformalista Rayok & quot, parece confirmar su disgusto por Stalin y algunos otros funcionarios del Partido, pero está escrito en el estilo & quot; realismo socialista & quot; que a tantos artistas se les dijo que emularan, ¿posiblemente para que la pieza se pasara por alto?

También vemos un uso frecuente de temas judíos en sus piezas. Aunque el propio Shostakóvich no era judío, tenía muchos amigos y asociados que eran, por ejemplo, su alumno favorito, Veniaman Flieschmann, quien había comenzado una ópera llamada & quot Rothschild & # x27s Violin & quot por sugerencia de Shostakovich & # x27s, había muerto en la Segunda Guerra Mundial, y Shostakovich completó la ópera en su memoria. También está uno de sus amigos más cercanos, el compositor Mieczyslaw Weinberg (nota al margen: definitivamente también vale la pena escuchar su música), que había huido de la Polonia ocupada por los nazis y había influido en gran parte del trabajo de Shostakovich. El segundo trío de piano de Shostakovich & # x27, escrito después de la muerte de su mejor amigo, Ivan Sollertinsky, en 1944, incluye una sección basada en temas judíos. También vale la pena señalar que Sollertinsky había presentado a Shostakovich las obras de Gustav Mahler, lo que también podría haber aumentado su fascinación por la música judía. También vemos estos temas en "Canciones de la poesía popular judía" y su decimotercera sinfonía, que conmemoró a las víctimas de la masacre de Babi Yar.

Ninguna discusión sobre las obras de Shostakovich & # x27 puede estar completa sin mencionar su Octavo Cuarteto de Cuerdas. El movimiento más famoso, el allegro molto, incluye algunos temas que puede reconocer en el enlace anterior, así como el motivo DSCH (las notas D, E bemol, C y B), repetido muchas veces a lo largo de la pieza. Esto fue escrito durante una época oscura en la vida de Shostakovich & # x27; según su amigo, Isaak Glikman, se vio obligado a unirse al Partido Comunista en 1960, ya que le ofrecieron un puesto alto en la Unión de Compositores & # x27 que le habría ofrecido. estabilidad, aunque se había resistido a unirse al Partido durante tanto tiempo porque no toleraba la violencia. Toda la pieza contiene muchas referencias a sus composiciones anteriores, como una especie de reflexión sobre su vida.

En términos de obras sinfónicas, su Quinta Sinfonía, mencionada anteriormente, es una de sus piezas más debatidas. ¿Es cumplimiento del régimen? ¿Un mensaje secreto de disensión? ¿Quién sabe? Aquí está el final, que algunas personas afirman que da una sensación de `` regocijo forzado ''. Nadie sabe muy bien qué pretendía Shostakovich aquí, así que creo que lo publicaré aquí y dejaré que tú decidas lo que significa para ti mismo.

La canción de los bosques es una especie de elefante en la habitación cuando se trata de Shostakovich. Todos sabemos que esta cantata existe, pero debido a esa parte en la que alaba a Stalin como "el gran jardinero", a nadie le gusta hablar de ella, por razones obvias. Sin embargo, esta pieza existe y vale la pena mencionarla. Fue escrito en 1949, un año después del Decreto Zhdanov, cuando Shostakovich y muchos otros compositores, incluidos Khachaturian y Prokofiev, fueron acusados ​​de formalismo. Esta pieza cumple con las pautas del Partido, tanto en el tema como en la música, y proporciona un ejemplo de un producto bajo la presión que Shostakóvich estaba bajo para complacer al Estado. Los elementos pro-Stalin en esta pieza a menudo son censurados en las representaciones modernas, aunque creo que no debemos ignorar lo que Shostakovich tuvo que pasar como un famoso compositor soviético, que fue utilizado como propaganda política tanto en la URSS como en Occidente. Aunque entiendo por qué sería censurado, tampoco creo que debamos olvidar su lugar en la historia.

Finalmente, me gustaría cerrar esto con algo edificante y positivo. Aquí está el andante de su segundo concierto para piano, interpretado por el propio Shostakovich. Escrita en 1957, esta pieza fue compuesta para el 19 cumpleaños de su hijo Maxim. (nota al margen: Maxim se convirtió en director de orquesta y, por lo que yo sé, todavía está vivo). Esta es una pieza muy especial: este movimiento no contiene fuertes fortissimi de la orquesta, marchas estridentes o cosas que esperamos de la orquesta. Sinfonías de Shostakovich & # x27s. Es tranquilo, íntimo y hermoso, porque es una pieza íntima. No se trata de complacer a un gobierno para evitar ser denunciado o algo peor. No se trata de miedo y paranoia. Para mí, se trata de un padre y su hijo, y todo va bien en el mundo por una vez.Es agridulce y tranquilizador, y siempre me emociono cada vez que lo practico, porque aquí, siento, es donde vemos a Shostakovich por quién es y por lo que gran parte de mi investigación: todas las cartas que he leído, el entrevistas con su familia y amigos sobrevivientes - me dice - que aquí no hay un disidente amargado que se ha vuelto cínico y desesperado con el mundo, o un títere complaciente saludando alegremente desde una jaula musical. Para mí, esta es la música de un hombre, solo un hombre, con una familia a la que ama ferozmente. Un hombre que ha sido gravemente sacudido por el pasado -y seguirá siendo gravemente sacudido en el futuro- que no quiere nada menos que quedarse solo para vivir una vida tranquila, lejos del espectáculo y la especulación. Un hombre que no siempre lo hace bien, pero maldita sea, hace todo lo posible.

No es necesario que te guste Shostakovich. Pero si has llegado al final de esta publicación, espero que estés al tanto de lo multifacético y complejo que es realmente su trabajo. Hay tantos compositores en los que escuchas una obra y te haces una buena idea de cómo es el resto de su obra. Pero él no. Esta es la música del joven ingenioso que escribió una ópera en 1928 sobre alguien que se despierta y encuentra su nariz paseando por San Petersburgo. Esta es la música del padre de dos hijos que escribió un solemne homenaje a la ciudad de la que se vio obligado a huir ya que estaba sitiada en 1941. Es la música escrita en la mano temblorosa y apenas funcional de un anciano en 1975. , quien respiraría por última vez ese año el 9 de agosto. Es música que ha sido tachada, escondida en cajones secretos y tocada años después, o aceptada con elogios de bienvenida.

Ciertamente, no es para todos. Sin embargo, vale la pena entenderlo.


Shostakovich tenía un don para un sonido juguetón y bromista que logra en sus conciertos y en varios momentos de las sinfonías 6, 9 y 15. El hombre era un genio, incluso si su música es muy pesada a veces. A veces eso es bueno: el primero y el cuarto son ejemplos variados de su sonido antes de las críticas que tuvo que soportar a manos de políticos idiotas.

Al final del quinto, Shostakovich escribió:

--¿Qué júbilo podría haber? Creo que para todos está claro lo que pasa en la Quinta. El regocijo es forzado, creado bajo amenaza. Es como si alguien te golpeara con un palo y dijera: 'Tu negocio se regocija, tu negocio se regocija', y tú te levantas temblando y te marchas murmurando: 'Nuestro negocio se regocija, nuestro negocio se regocija'. ¿Qué tipo de apoteosis es esa?

"La respuesta de un artista soviético a una crítica justa" fue cómo Shostakovich anunció el lanzamiento de la sinfonía. ¡decir ah! El gobierno estaba dispuesto a enviarlo a Siberia, por lo que tuvo que cambiar el tono de su música o se marchitaría en un campamento. Lo que logró hacer fue hacer feliz al Partido mientras se reía de ellos. Puedes escucharlo en la música.

El final todavía transmite una especie de triunfo ganado con esfuerzo, más aún cuando lo escuchamos hoy. Esas fueron circunstancias difíciles para crear arte y música, siempre un dictador al que complacer.


Shostakovich, Dmitry (Dmitryevich)

Shostakovich, Dmitry (Dmitryevich) (B San Petersburgo, 1906 D Moscú, 1975). Russ. compositor y pianista. Tenía pf. lecciones de su madre a los 9 años y más tarde en Glasser Sch. de Mus. 1916 & # x201318. Entró en Petrogrado Contras. 1919, animado y ayudado por Glazunov, y estudió pf. con Nikolayev y comp. con M. Steinberg. Completado pf. Curso en 4 años e hizo varias apariciones en conciertos. Obtuvo & # x2018 mención de honor & # x2019 en Int. Chopin Comp., Varsovia, 1927. Su trabajo de diploma, el 1er Sim., Fue perf. en Leningrado y Moscú en 1926 y se ganó la fama mundial del compositor a la edad de 20 años. Como creyente convencido de Russ. socialismo, buscó formas en las que su mus. podría servir al estado. Indicado por el cond. Malko, escribió para el teatro y el cine, en la siguiente década produciendo su ópera The Nose, los ballets The Age of Gold y The Bolt, y varias bandas sonoras de cine. Estas obras, en particular The Nose, reflejan la influencia entonces permitida de Occidente vanguardia música, pero The Nose fue visto como un signo de & # x2018 decadencia burguesa & # x2019 y retirado del escenario. Su ópera La dama Macbeth del distrito de Mtsensk y el ballet Bright Stream habían sido producidos con éxito. cuando el 28 de enero de 1936 la ópera fue salvajemente atacada en el periódico oficial soviético Pravda por & # x2018 distorsión izquierdista & # x2019, & # x2018sensacionalismo pequeñoburgués & # x2019, y & # x2018formalismo & # x2019 en un artículo titulado & # x2018Chaos en lugar de Música & # x2019 (Sumbur vmesto muzyki). Se dice que este artículo fue escrito (o al menos inspirado) por el propio Stalin, que odiaba la ópera. Otro artículo que ataca al ballet Bright Stream apareció en Pravda diez días después. Casi parecía que la carrera de Shostakovich estaba llegando a su fin, y retiró su cuarto Sym. después de los ensayos iniciales. Su respuesta fue su quinto Sym. (1937), descrito por un comentarista no identificado como & # x2018Respuesta creativa práctica de un artista soviético a la crítica justa & # x2019, una obra que se convirtió y sigue siendo una de sus más populares. Significativamente evitó los escenarios durante muchos años y entre 1938 y 1953 escribió 5 syms más. y 4 str. qts. Enseñó comp. en Leningrad Cons. 1937 & # x201341 y fue bombero durante Ger. asedio de Leningrado en 1941. De estas experiencias surgió su séptimo Sym. (Leningrado), que tuvo un tremendo éxito en tiempos de guerra no solo en la URSS sino también en Inglaterra. y USA, aunque ahora se sugiere que la marcha bárbara en el 1º movt. describe la brutalidad estalinista en lugar de la Ger. avance del ejército. Su pf. quintet (1940) ganó el premio Stalin. En 1943 se instaló en Moscú, convirtiéndose en prof. de comp. en los Cons. En 1948, con otros líderes Russ. compositores, volvió a caer en desgracia tras el notorio decreto de Zhdanov contra el & # x2018formalismo & # x2019 y el & # x2018anti-people art & # x2019. Fue relevado de su cátedra en Moscú y no reasumió el cargo hasta 1960. Hizo una retractación oficial, pero sus obras publicadas desde 1948 hasta 1953 (cuando murió Stalin) fueron principalmente música de cine y cantatas patrióticas, con excepciones de 24 Preludios y Fugas para pf. El primer Vn. Conc. (1947 & # x20138, rev. 1955), la cuarta estr. qt., y el ciclo de canciones From Jewish Folk Poetry fueron todos excluidos de la interpretación hasta después de la muerte de Stalin, y la llegada, bajo Khruschev, de un clima político y cultural relativamente y temporalmente más liberal.

En 1953 el décimo Sym. apareció, una obra maestra que es una de varias obras muy personales que utilizan el motivo DSCH (basado en las iniciales de su nombre en notación alemana). Este sym. inaugura el gran período final de su carrera, 22 años en los que comp. algunos de sus mejores mus. & # x2014the 10th to 15th Syms., the 6th to 15th str. cuartos de galón, 2 vc. concs., La ejecución de Stepan Razin a un texto del poeta Yevtushenko, el 2º vn. conc., el vn. y va. sonatas y la Suite de Versos de Miguel Ángel. Visitó Inglaterra en 1958 y 1974, convirtiéndose en un amigo cercano y admirador de Britten. Sufrió ataques cardíacos en 1969 y 1971 y, a partir de entonces, su salud era frágil.

Muchos consideran que Shostakóvich es el mejor 20 centavo. compositor. En sus 15 syms., 15 qts., Y en otros trabajos demostró el dominio de las formas más grandes y desafiantes con mus. de gran poder emocional e invención técnica. Casi todas las características importantes de su mus. están presentes en el 1er. Sym .: estructuras seccionadas, con temas construidos en mosaico, y uso frecuente de instr. en sus registros más alto y más bajo. Todas sus obras están marcadas por extremos emocionales & # x2014 intensidad trágica, ingenio grotesco y extraño, humor, parodia y sarcasmo salvaje (el scherzo del décimo Sym. se dice que es un retrato de Stalin). Con frecuencia usa citas de sí mismo y de otros. Después de su enfermedad su mus. Parecía preocupado por la muerte, y las grandes obras finales tienen un extraordinario y alarmante poder y tensión. Su admiración y conocimiento de Mahler es evidente en sus obras sinfónicas, y sigue el precedente mahleriano de yuxtaponer lo banal y lo sublime. Sus días de estudiante en la década que siguió a la Revolución fueron una época de liberalismo comparado en Leningrado y es evidente por su 1er Sim. que había estudiado el occidental vanguardia de la época (Berg, Hindemith y Krenek). La influencia de Wozzeck de Berg, perf. en Leningrado, 1927, puede verse en la ópera Lady Macbeth. Ahora es evidente que Shostakóvich pronto se desilusionó del sistema soviético y que la creciente oscuridad y amargura de su trabajo reflejan una miseria espiritual relacionada con eventos externos (sus memorias atribuidas, publicadas en Occidente en 1979, dan prueba convincente de su actitud). . Las tensiones dentro de él produjeron una sucesión de obras maestras. Prin. obras: OPERAS: The Nose (Nos), Op.15 (1927 & # x20138) Lady Macbeth del distrito de Mtsensk (Ledi Makbet Mtsenskovo uyezda), Op.29 (1930 & # x20132) rev. 1955 & # x201363 como Katerina Izmaylova, Op.29 / 114 Moskva, Cheryomushki, comedia musical (ov. Y 39 nos.), Op.105 (1958) The Gamblers (Igroki), Op.63 inacabado (1941 perf. De concierto Leningrado 1978 completado por K. Meyer perf. Wuppertal 1983) .BALLETS: The Age of Gold (Zolotoy vek), Op.22 (1927 & # x201330) The Bolt (Bolt), Op.27 (1930 & # x20131) Bright Stream (Svetytoly ruchey) , Op.39 (1934 & # x20135) Los soñadores, mus. extraído principalmente de The Age of Gold y The Bolt, con algo de material nuevo (1975) .SYMS .: No 1 en fa menor, Op.10 (1924 & # x20135), f.p. Leningrado, cond. Malko, 1926 No 2 en si mayor (octubre) con cap. (texto de A. Bezymensky), Op.14 (1927), p.p. Leningrado, cond. Malko, 1927 No 3 en E & # x266D (Primero de mayo) con cap. (texto de S. Kirsanov), Op.20 (1929), f.p. Leningrado, cond. A. Gauk, 1930 No 4 en Do menor, Op.43 (1935 & # x20136) (retirado durante el ensayo), f.p. Moscú, cond. Kondrashin, 1961 No 5 en re menor (Respuesta creativa práctica de un artista soviético a la crítica justa), Op.47 (1937), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1937 No 6 en si menor, Op.54 (1939), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1939 No 7 en Do mayor (Leningrado), Op.60 (1941), p.p. Kuibyshev, cond. S. Samosud, 1942 No 8 en Do menor, Op.65 (1943), f.p. Moscú, cond. Mravinsky, 1943 No 9 en E & # x266D, Op.70 (1945), p.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1945 No 10 en mi menor, Op.93 (1953), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1953 No 11 en sol menor (El año 1905), Op.103 (1957), p.p. Moscú, cond. N. Rachlin, 1957 No 12 en re menor (1917), Op.112 (1961), f.p. Moscú, cond. Kondrashin, 1961 No 13 en B & # x266D menor (Babi-Yar), Op.113, bajo, canal bajo, orquesta. (poemas de Y. Yevtushenko) (1962), f.p. Moscú, V. Gromadsky (bajo), cond. Kondrashin, 1962 No.14, sop., Bass, str., Perc., Op.135 (11 poemas de Lorca, Apollinaire, K & # xFCchelbecker y Rilke) (1969), f.p. Leningrado, G. Vishnevskaya (sop.), M. Reshetin (bajo), cond. Barshay, 1969 No 15 en La mayor, Op.141 (1971), f.p. Moscú, cond. M. Shostakovich, 1972 CONCS .: pf .: No 1 en Do menor, pf., Tpt., Str., Op.35 (1933), No 2 en F, Op.102 (1957) vn .: No 1 en La menor, Op.77 (1947 & # x20138, fp 1955 y publicación original como Op.99), No 2 en C & # x266F menor, Op.129 (1967) vc .: No 1 en E & # x266D, Op.107 (1959), No 2 en G, Op.126 (1966) .ORCH. (excepto para syms. y concs., enumerados arriba): Scherzo en F & # x266F minor, Op.1 (1919) Theme with Variations, Op.3 (1921 & # x20132) Scherzo en E & # x266D, Op.7 (1924) Preludio y Scherzo, str. octeto o str. orch., Op.11 (1924 & # x20135) Tahiti Trot (Té para dos), Op.16 (1928) 2 Scarlatti Pieces, transcr. para el viento, Op.17 (1928) Suite, Age of Gold, Op.22a (1929 & # x201332) Suite, The Bolt (Ballet Suite No.5), Op.27a (1931) Suite, Golden Mountains, Op.30a ( 1931) Hamlet, suite de 13 movts., Small orch., Op.32a (1932) Suite para Jazz Orch. , No 1 (1934), No 2 (1938) 5 Fragments, small orch., Op.42 (1935) Fragments from Maxim Film-Trilogy (ensamblado por L. Atovmyan), Op.50a (1938, 1961) Suite de Pirogov (asistido por Atovmyan), Op.76a (1947) Suite de Jóvenes Guardias (asistido por Atovmyan), Op.75a (1947 & # x20138, 1951) Suite de Meeting on the Elbe, Op.80a (C.1948) Ballet Suite No.1 (1949), No.2 (1951), No.3 (1952), No.4 (1953) Fragmentos de The Memorable Year 1919 (asistido por Atovmyan), Op.89a (1951, ? 1955) Festival Overture, Op.96 (1954) Fragmentos de The Gadfly (asistido por Atovmyan), Op.97a (1955) Suite en 5 escenas de Katerina Izmaylova (1956) Novorossiysk Chimes (1960) Suite de 5 días, 5 noches (asistido por Atovmyan), Op.111a (1961) Overture on Russian and Kirghiz Folk Themes, Op.115 (1963) Suite from Hamlet (film mus.) (asistido por Atovmyan), Op.116a (1964) Chamber Symphony (arr . of 8th Str. Qt. for str. de Barshay) Sinfonía para cuerdas (arreglo de 10th Str. Qt.) Funeral-Triumphal Prelude, Op.130 (1967) Octubre, poema simbólico, Op.131 (1967) .CHORUS & amp ORCH. (excl. syms.): Poema de la Patria, cantata, Op.74, mez., diez, 2 compases, solistas de bajo (1947) El canto de los bosques, oratorio, Op.81, diez, solistas de bajo , cap de los niños. (1949) El sol brilla sobre nuestra patria, cantata, Op.90, con cap. Infantil. (1952) Fragmentos del 1st Echelon, Op.99a (1956) The Execution of Stepan Razin (Kazn & # x2019 Stepana Razina), cantata, Op.119, bajo solista (1964) .UNACC. CORO: 10 poemas sobre textos de poetas revolucionarios, SATB, Op.88 (1951) 2 Adaptaciones de canciones populares rusas, SATB, Op.104 (1957) Lealtad, 8 baladas para cap. Masculino, Op.136 (1970). SOLO VOICE ( S) & amp ORCH .: 2 Fábulas de Krylov, Op.4, mez. (también con pf., 1922) Suite, The Nose, Op.15a, ten., bar. (1927 & # x20138) 6 Romances sobre palabras de poetas japoneses, Op.21, diez. (1928 & # x201332) 8 Canciones populares inglesas y americanas, bajo v. (1944) De Jewish Folk-Poetry, Op.79, sop., Cont., Diez. (1963, con pf. 1948) 7 Romances on Poems of Alexander Blok, Op.127, suite, sop., Pf. trio (1967) 6 Romances on Verses of English Poets, Op.140, bass (1971, con pf., Op.62, 1942) 6 Poems of Marina Tsvetayeva, Op.143a, cont. (1973, con pf., Op.143, 1973) Suite sobre Versos de Michelangelo Buonarroti, Op.145a, bajo (1974, con pf., Op.145, 1974) .VOICE & amp PIANO: 2 Fables of Krilov, Op. 4, mez. (1922) 4 Romances sobre versos de Pushkin, Op.46, bajo (1936) 6 Romances sobre versos de poetas ingleses, Op.62, bajo (1942) Voto del Comisario del Pueblo, bajo, cap. (1942) 2 Canciones (textos de Svetlov), Op.72 (1945) Nostalgia (1948, arreglo del compositor 1956) From Jewish Folk-Poetry, Op.79, sop., Cont., Diez. (1948) 2 Romances on Verses de Lermontov, Op.84, male v. (1950) 4 Songs to words by Dolmatovsky, Op.86 (1951) 4 Monologues on Verses of Pushkin, Op.91, bass (1952) 5 Romances (Canciones de nuestros días), Op.98, bajo (1954) 6 Canciones españolas, Op.100, sop. (1956) Sátiras (Imágenes del pasado), 5 romances, Op.109, sop. (1960) 5 Romances sobre textos de la Revista Krokodil, Op.121, bajo (1965) Prefacio a la Colección Completa de mis Obras, y Breves Reflexiones & # xE0 propone este Prefacio, Op.123, bajo (1966) Primavera, Primavera ( Pushkin), Op.128, bajo (1967) 6 Poemas de Marina Tsvetayeva, Op.143, cont. (1973) Suite sobre Versos de Michelangelo Buonarroti, Op.145, bajo (1974) 4 Versos de Capitán Lebyadkin, Op.146, bajo (textos de Dostoyevsky) (1974). MÚSICA DE CÁMARA: str. qts .: No 1 en C, Op.49 (1938), No 2 en A, Op.68 (1944), No 3 en F, Op.73 (1946), No 4 en D, Op. 83 (1949. también arreglo para 2 pf. Del compositor), No 5 en B & # x266D, Op.92 (1953), No 6 en G, Op.101 (1956), No 7 en F & # x266F menor, Op.108 (1960), No 8 en Do menor, Op.110 (1960, arreglo para str. orch. de Barshay como Sinfonía de cámara), No 9 en E & # x266D, Op.117 (1964) , No 10 en A & # x266D, Op.118 (1964, arreglo para str. Orch. De Barshay como Sinfonía para cuerdas), No 11 en Fa menor, Op.122 (1966), No 12 en D & # x266D, Op.133 (1968), N ° 13 en B & # x266D menor, Op.138 (1970), N ° 14 en F & # x266F mayor, Op.142 (1972 & # x20133), N ° 15 en E & # x266D minor, Op.144 (1974) pf. trío No.1, Op.8 (1923), No.2 en Mi menor, Op.67 (1944) 2 Piezas (Preludio y Scherzo) para estr. octeto, Op.11 (1924 & # x20135) pf. quinteto en sol menor, Op.57 (1940) .PIANO: sonatas: No.1, Op.12 (1926), No.2 in B minor, Op.61 (1942) 8 Preludios, Op.2 (1919 & # x201320 ) 5 Preludios (1920 & # x20131) 3 Danzas fantásticas, Op.5 (1922) 10 Aforismos, Op.13 (1927) Polka (Age of Gold) (1935, arreglo para 4 manos 1962) 24 Preludios, Op.34 ( 1932 & # x20133) (No.14, orch. Stokowski) Cuaderno para niños, Op.69 (1944 & # x20135) 24 Preludios y Fugas, Op.87 (1950 & # x20131) 7 Dances of the Dolls (1952 & # x201362) .2 PIANOS : Suite en Fa & # x266F menor, Op.6 (1922) Polka (Age of Gold) (1962) Preludio y Fuga No.15 de Op.87 (? 1963) Concertino, Op.94 (1953) Tarantella de The Gadfly ( 1963) .MÚSICA INCIDENTAL PARA OBRA: The Flea (Klop) (Mayakovsky), Op.19 (1929) Rule, Britannia! (Pyotrovsky), Op.28 (1931) Conditionally Killed, Op.31 (1931) Hamlet (Shakespeare), Op.32 (1931 & # x20132) The Human Comedy (Sukotkin, after Balzac), Op.37 (1933 & # x20134) Saludo a España (Apinogenov), Op.44 (1936) King Lear (Shakespeare), Op.58a (1940) Native Country, Op.63 (1942) Russian River, Op.66 (1944) Victorious Spring, Op.72 ( MÚSICA DE CINE: New Babylon, Op.18 (1928, falta de partitura: suite reconstruida por Rozhdestvensky, 1976) Alone, Op.26 (1930 & # x20131) Golden Mountains, Op.30 (1931, perdido, nueva versión 1936) Encuentro, Op.33 (1932) Amor y odio, Op.38 (1934) Maxim's Youth (El bolchevique), Op.41 (i) (1934 & # x20135) Girl Companions, Op.41 (ii) (1934 & # x20135) El cuento del sacerdote y su trabajador Balda, Op.36 (1936, no publicado) Maxim's Return, Op.45 (1936 & # x20137) Volochayev Days, Op.48 (1936 & # x20137) Vyborg District, Op.50 (1938) Amigos, Op.51 (1938) The Great Citizen (Part I), Op.52 (1938) Man at Arms, Op.53 (1938) The Great Citizen (Part II), Op.55 (19 39) Zoya, Op.64 (1944) Simple Folk, Op.71 (1945) Pirogov, Op.76 (1947) Young Guards, Op.75 (1947 & # x20138) Michurin, Op.78 (1948) Reunión en el Elba , Op.80 (1948) La caída de Berlín, Op.82 (1949) Belinsky, Op.85 (1950) El año memorable 1919, Op.89 (1951) Canción de un gran río, Op.95 (1954) El Tábano, Op.97 (1955) The 1st Echelon, Op.99 (1956) Five Days & # x2014 Five Nights, Op.111 (1960) Cheryomushki (1962) Hamlet, Op.116 (Shakespeare, trad. Pasternak, 1963 & # x20134) Un año como una vida, Op.120 (1965) Sofya Perovoskaya, Op.132 (1967) King Lear, Op.137 (1970) .ARRS. DE OTROS COMPOSITORES: Scarlatti: 2 Scarlatti Pieces for wind orch., Op.17 (1928) Mussorgsky: Boris Godunov, re-orch., Op.58 (1939 & # x201340, f.p. 1959) Khovanshchina, ed. and orch., Op.106, (1959, para versión cinematográfica, f. stage p. 1960) Songs and Dances of Death (orch. 1962) Davidenko (1899 & # x20131934): 2 Coros, arreglo. para el cap.y orch., Op.124 (1962) Schumann: vc. conc., re-orch. (1963) Youmans: Té para dos, orch. como Tahiti Trot, Op.16 (1928).

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¿Por qué Shostakovich no lanzó su cuarta, pero lanzó su quinta sinfonía? - Historia

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    Jonathan Leshnoff: Una entrevista y retrato de América y el próximo gran compositor # 8217
    Por Lee Denham

    Los compositores clásicos del siglo XXI son una raza rara & # 8211 e incluso más raros son aquellos que han gozado de tanta aclamación popular como Jonathan Leshnoff, un joven comparativo, nacido en 1973, cuyas obras ya han sido retomadas por muchas orquestas en su país natal. EE.UU. con mucho éxito & # 8211 el New York Times lo llamó & # 8220 un líder en el lirismo estadounidense contemporáneo & # 8221 cuya música ha sido descrita por el American Record Guide como & # 8220 lírico, virtuoso, tierno y apasionado a la vez & # 8221. Para coincidir con el nuevo lanzamiento de Reference Recordings de su Concierto para piano estrenado el año pasado, junto con su Tercera sinfonía, estrenada en 2016, Jonathan Leshnoff habló con MusicWeb International sobre los desafíos particulares de ser un compositor clásico en el siglo XXI.

    Introducción
    Nuestras conversaciones estaban muy en consonancia con los tiempos modernos & # 8211 a través de Zoom, con Jonathan en su casa en Baltimore, al norte de Washington DC en los Estados Unidos, y yo en mi casa en el norte de Londres en el Reino Unido. De manera similar, dentro del texto a continuación hay enlaces a los canales de YouTube de las compañías discográficas, que espero le permitan a usted, el lector, escuchar, como y cuando se mencionan en la narrativa, algunas de las obras de Jonathan Leshnoff & # 8217 que ya han sido grabadas. .

    Comencé preguntando sobre la vida temprana de Jonathan. Nació en New Brunswick, Nueva Jersey, su madre era artista y su padre ingeniero. ¿Cuáles fueron los eventos que despertaron su interés por la música seria y lo llevaron a convertirse en compositor?

    JL: Bueno, me gusta decir que la música me encontró, ¡no que yo encontré música! Cuando era joven, era muy artístico y creativo, así que supongo que siempre me movía en esa dirección, pero uno de mis primeros recuerdos, probablemente cuando no tenía más de 3 años, fue ver a mi padre interpretar una de sus obras. LP en su tocadiscos. Recuerdo haber escuchado la aguja golpear el vinilo y el crujido que parece acompañar al comienzo de cada disco en esos días, hasta que comenzó la música & # 8211 fue la apertura de Beethoven & # 8217s Fifth Symphony y recuerdo estar tanto hipnotizado como aterrorizado al mismo tiempo. Fue una reacción visceral & # 8211 ¡Sentí que las ondas sonoras subían por mis piernas! Esta experiencia fue casi profética, ya que ahora veo a Beethoven como mi mejor maestro, el más grande maestro de su oficio, en mi opinión, es decir. Quiero decir, ¡podía hacer cualquier cosa! La apertura de su quinta sinfonía es solo una tercera mayor y, sin embargo, ¡suena cataclísmico! Su habilidad para usar ese intervalo para construir la sinfonía es asombrosa. Él era tan progresista & # 8211 considere el Groe Fuge, por ejemplo, que Igor Stravinsky describió como "una pieza de música absolutamente contemporánea que será contemporánea para siempre", así que supongo que ese incidente temprano sembró las semillas. A medida que crecía, estudié violín y tenía la intención de ir al conservatorio para estudiarlo más, pero siempre improvisaba, incluso cuando tocaba la mejor música como las partitas de Bach, agregando notas que no estaban allí. Pero el punto clave fue cuando era adolescente, cuando estaba en el programa Tanglewood Youth como parte de mis estudios, fui a ver la Sinfónica de Boston y conseguí un asiento muy cerca de la orquesta, que estaban tocando la Cuarta Sinfonía de Schumann esa noche. . Fue algo acerca de estar tan cerca de la orquesta que me hizo darme cuenta de que componer era lo que quería hacer & # 8211 estar conectado con esta expresión, esta cercanía con las artes y fue entonces cuando decidí que iba a & # 8216retire & # 8217 del violín e ingrese a la universidad para estudiar composición.

    LD: Entonces, ¿quiénes dirías que son tus compositores favoritos? ¿Alguno en particular ha influido en tus propias composiciones?

    JL: Bueno, hemos mencionado a Beethoven, pero definitivamente también a Stravinsky, especialmente The Firebird y Petrushka.

    LD: Sí, personalmente, definitivamente escucho mucho de Shrovetide Fair, en tu música Jonathan.

    JL: Sí, está & # 8217 allí & # 8211 y Bartok, así como Copland.

    LD: ¿Principalmente del siglo XX?

    JL: Sí, absolutamente & # 8211 fuera de la Segunda Escuela de Viena, aunque me gusta Berg, especialmente el compositor de Wozzeck.

    LD: Entonces, ¿cómo compones?

    JL: Cuando empiezo, trato de visualizar en mi mente y oído toda la pieza que quiero escribir. Entonces, por ejemplo, si va a ser un trabajo de veinte minutos, decidiré que quiero que la pieza llegue al clímax en el minuto diecisiete & # 8211 y luego tengo que idear un plan, como: ¿Quiero un ¿Declive lento hasta el final, o algo más edificante? ¿O quiero que la preparación para ese clímax sea durante los cinco minutos anteriores, o será una acumulación lenta hasta ese punto desde el primer compás? Necesito ser capaz de tener una idea conceptual de todo el trabajo, para poder responder a la pregunta de & # 8217 ¿qué acorde quiero para ese clímax en el minuto diecisiete? & # 8217 Una vez que sepa a dónde voy, puedo calcular sacar las melodías y armonías, etc. Creo que se llama & # 8216 método deductivo & # 8217, una especie de trabajo al revés para encontrar las respuestas. También ayuda que mis ideas vengan orquestadas. Entonces, a medida que la composición toma forma, puedo mirar hacia atrás y revisar y afinar parte de ella. Puedo ver un clímax y pensar que no sería bueno tener las trompetas sonando aquí, o si las cuerdas deberían apoyarlo, pero solo comienza a juntarse realmente una vez que tengo una imagen de todo en mi cabeza. .

    LD: Has dicho que escribir una sinfonía es como una & # 8220 escritura de pasaje para un compositor & # 8221 & # 8211 ¿podrías ampliar eso?

    JD: Creo que una sinfonía (y un cuarteto de cuerda también) es donde un compositor es más honesto, porque no hay nada que se interponga entre sus pensamientos artísticos y la música, como un solista o una forma (como un trío o un minueto), o una instrucción para convertirlo en & # 8220 un abridor de ocho minutos & # 8221, o & # 8220 animarlo para conmemorarlo & # 8221. Con una sinfonía, el compositor puede decir lo que tiene que decir en la forma más pura y sin filtros. Siempre que compongo una sinfonía, la veo como un acto sagrado en el sentido de que sé que puedo decir algo de tal manera que nadie me va a molestar de manera directa. Siento eso con la gran mayoría de compositores, incluso los más importantes, con la excepción de Shostakovich, Brahms & # 8211, ¡aunque tomó muchos años! & # 8211 y posiblemente Prokofiev y Walton, sus primeras sinfonías son realmente un primer intento de forma y no su obra más estrechamente construida y siento lo mismo acerca de mi primera sinfonía, en el sentido de que era la primera vez que trabajaba con la forma sinfónica.

    Las sinfonías
    La primera de las cuatro sinfonías de Jonathan & # 8217 dura 21 minutos y se juega en cinco movimientos sin descanso. Estrenada en 2004 y subtitulada & # 8220Canntos y estribillos olvidados & # 8221, incorpora a su tejido musical el Canto gregoriano, además de citas de música religiosa cristiana y judía de los siglos XV y XVII. Su orquestación, una orquesta sinfónica estándar, aumentada por arpa, piano, vibráfono, campanas de mano, campanas de trineo y campanas tubulares, se suma a una experiencia que la hace tan diferente de la primera sinfonía de cualquier otro compositor como puedas (y está disponible en Naxos: 8.559670), pero sus serenas páginas finales también son muy gratificantes (Youtube).

    LD: Tu propia primera sinfonía se estrenó como la primera mitad de un concierto que concluía con Beethoven & # 8217s Ninth & # 8211 & # 8211 ¿crees que es una buena idea para un joven compositor tener su primer intento en esta forma junto con una obra tan icónica?

    JD: Bueno, ha sido una bendición constante, así como una maldición para mí, porque aunque el Beethoven siempre es un buen & # 8216draw & # 8217 en el programa de conciertos para una audiencia, parece que siempre estoy emparejado con él. .

    Tanto mi Segundo Concierto para violín como mi Concierto doble para clarinete y fagot (grabado el año pasado por Manfred Honeck y la Sinfónica de Pittsburgh en grabaciones de referencia) fueron la primera mitad del programa que fue seguida por Beethoven & # 8217s Ninth. Dicho esto, por primera vez como joven compositor, al enfrentarme a Beethoven, estaba aterrorizado, pero volviendo a la primera sinfonía de un compositor, solo tenía alrededor de treinta años cuando escribí la mía y ahora puedo ver que hay cosas. en la música que son un poco extravagantes, como mis armonías (que eran un poco más afiladas de lo que son ahora), así como el estilo de acompañamiento muy decorativo. He aprendido a reforzar mi control con armonía y melodía desde entonces, así que ahora puedo expresar mis ideas en términos más concisos.

    LD: Fue estrenada por el director Michael Stern, gran amigo y colaborador tuyo & # 8211 debe ser tan importante para un compositor joven, como tú entonces, tener un amigo así.

    JL: ¡Oh, absolutamente! Déjame contarte cuando nos conocimos. Fue hace un tiempo, cuando tenía veintitantos años, apenas comenzaba, y recibí un encargo del Twentieth Century Consort [ahora Twentieth Century Consort], un conjunto con sede en Washington DC que se especializa en música contemporánea. . Muchos de los miembros del conjunto en ese entonces eran miembros de la Sinfónica Nacional, pero mi misión fue preguntarles a todos los que me atreviera si podía componer algo para ellos y finalmente terminé escribiendo un trío para violín, violonchelo. y piano. Ahora, el violinista Charles Ifbee, un intérprete de lo más distinguido, estaba más bien cautivado por mi música y, como concertino de la Sinfónica de Columbus, me preguntó si podía componer una pieza corta para violín solo y cuerdas para ellos, lo cual hice y fue realmente bien. Ahora, da la casualidad de que este maestro de conciertos fue a Curtis con Michael Stern y cuando Michael vino a Columbus para dirigir la orquesta sinfónica, se reunieron y a Michael le tocaron un CD de una de mis piezas & # 8211 Charles simplemente lo puso en el reproductor de CD del coche y Michael se vio obligado a escucharlo, y aparentemente, a Michael realmente le gustó, así que lo siguiente que supe es que Michael estaba en Baltimore para dirigir la Sinfónica y concertamos una cita para tomar un café. Al final de la reunión, Michael me pidió que le enviara algunos trabajos para realizar. Pensé que solo estaba siendo educado, así que, por supuesto, no lo hice, pero luego recibí una llamada de su oficina que básicamente decía: "El Sr. Stern está esperando su material". & # 8221 - y ese fue el comienzo de una amistad muy especial, así como de una colaboración artística.

    LD: También hay un mensaje para todos los aspirantes a compositores, supongo.

    JL: ¡Definitivamente! Hay muchos retrocesos en este juego & # 8211 podría contarte tantas ocasiones en las que he viajado durante horas solo para estrechar la mano de alguien & # 8217 y eso fue todo lo que sucedió, la posible oportunidad nunca se materializó. Pero como dijo Abraham Lincoln: & # x0027La mejor manera de predecir el futuro es crearlo, & # x0027 Tú, como joven compositor, debes apostar por todo & # 8211 pero ser realista, porque no todo funcionará siempre.

    Si la Primera Sinfonía fue un comienzo audaz para un joven compositor, la Segunda Sinfonía, subtitulada & # 8216Innerspace & # 8217, fue aún más atrevida, sobre todo porque terminó con 83 segundos de silencio escritos en la partitura. Esta sinfonía fue encargada y estrenada por otro de los campeones de Jonathan Leshnoff & # 8217, el distinguido director Robert Spano, quien se encontró por primera vez con la música del compositor & # 8217s en 2011 cuando el director de la Orquesta de Filadelfia se enfermó y el Maestro Spano fue llamado a la undécima hora. Para estrenar el Concierto para flauta de Leshnoff & # 8217, tuvo que aprender la composición completa en el viaje en avión, antes de ensayar con la orquesta a la mañana siguiente y luego dirigir la pieza en concierto por la tarde (para el agradecido asombro del compositor). La Segunda Sinfonía fue posteriormente encargada por la Orquesta Sinfónica de Atlanta y su director principal Robert Spano, y fue estrenada por ellos en 2014, una interpretación que fue grabada y publicada por la propia etiqueta de la orquesta # 8217 (ASO 1008). & # 8216Innerspace & # 8217 explora la fascinación de Jonathan & # 8217 por el misticismo judío, una fuente común de inspiración para él, así que le pregunté, en su calidad de profesor de música en la Universidad de Towson, Maryland, cuáles eran sus pensamientos sobre por qué los compositores estaban tan inspirados por religión, incluso aquellos (como Beethoven y Verdi) que no eran creyentes, o Mahler que, como compositor judío, pudo escribir una música tan ardiente sobre la Resurrección.

    JL: Personalmente, creo que existe un estrecho parentesco entre la música y la espiritualidad & # 8211 después de todo, la música es muy a menudo parte de las ceremonias religiosas. Pero ninguno tiene ningún tipo de tangibilidad. Sí, está el acto físico de tocar un instrumento, como está el acto físico de los rituales religiosos, pero lo que nos mueve es el sonido que no podemos ver y ese sonido nos afecta de la manera más profunda. Al igual que con la religión y la espiritualidad, no podemos ver a nuestro Dios ni al cielo, pero el pensamiento también tiene el potencial de conmovernos profundamente. Entonces, en mi opinión, existe un parentesco natural entre los dos, razón por la cual los compositores siempre se han inspirado en él.

    Si la Segunda Sinfonía tiene ambiciones audaces de describir a un Dios benévolo y omnipresente, sus gestos musicales me parecen estar firmemente arraigados en el canon sinfónico estadounidense. Las fanfarrias de apertura aparentemente rinden homenaje a Copland, Bernstein y Hanson, mientras que el ajetreado perpetuum mobile del segundo y cuarto movimiento hace un guiño definitivo a John Adams. Si el movimiento final de silencio también parece haber sido influenciado por John Cage & # 8217s 4 & # 821733 & # 8217 & # 8217, el compositor evita la acusación a menudo dirigida a Cage, por oyentes más cínicos, de la ropa nueva del emperador, por la sinceridad de la música que conduce a ese momento es como si el compositor dijera que la mera música ya no es suficiente para describir a un Dios que está en todas partes y que es solo en la contemplación silenciosa que realmente lo escuchamos hablar (Youtube) .

    Con todas esas influencias aparentes, le pregunté a Jonathan si pensaba que su sinfonía era especialmente & # 8216American & # 8217.

    JL: No fue & # 8217t un esfuerzo consciente para serlo, tengo que decir & # 8211, pero puedo oírlo ahora. Ciertamente, la amplitud y la audacia de las partituras de Copland & # 8217, por ejemplo, terminaron en mi sinfonía. Mirando hacia atrás, creo que & # 8217 es mi sinfonía más larga y ciertamente es la más difícil de tocar & # 8211 no tengo piedad de los jugadores - pero entonces, no había & # 8217t escrito una sinfonía durante diez años y se había estado gestando. dentro de mí durante mucho tiempo, y luego, de repente, tuve a mi disposición / misericordia una gran orquesta y un director y ¡miren lo que pasó! Sin embargo, creo que con mi segunda sinfonía, también estaba comenzando a encontrar mi & # 8216 groove & # 8217 en la medida en que, en lugar de sentirme como si fuera parte de una larga lista de compositores [estadounidenses] e inspirarme por esa tradición, estaba en su lugar estar movido a componer por las ideas dentro del misticismo judío, que a su vez refleja mi propia herencia. El título & # 8216Innerspace & # 8217 de esa sinfonía & # 8217, por ejemplo, se refiere al concepto místico judío de saber cómo y por qué estás en esta etapa de tu vida & # 8217s viaje. Por ejemplo, la mayoría de la gente que lee esto estaría sentada en un edificio. En un momento anterior, alguien debió haber construido el edificio, mientras que antes habría habido un arquitecto que lo diseñó, un urbanista encargándolo y, en última instancia, la voluntad del urbanista de incluso tener un edificio en primer lugar. Esta introspección regresiva que lleva a la humanidad a su Creador es la motivación musical detrás de & # 8216Innerspace & # 8217 y por qué al volver sobre nuestros pasos, eventualmente terminamos en el principio absoluto donde no hay nada & # 8211 considere las primeras líneas de la Biblia: & # 8216 En el principio, Dios creó los cielos y la tierra. Ahora la tierra estaba informe y vacía & # 8230. & # 8217 Estaba vacía & # 8211 ni siquiera el concepto de & # 8220espacio & # 8221 estaba allí todavía. Mi segunda sinfonía termina con el silencio & # 8211 el & # 8216 nada & # 8217, porque es esa & # 8220 nada & # 8221 la base de toda existencia. Por supuesto, mi quinto movimiento & # 8220silent & # 8221 fue influenciado por John Cage, pero mientras él decía en 4 & # 821733 & # 8217 & # 8217 que si escuchas, la música está en todas partes, en cambio yo & # 8217 estoy diciendo que al principio había absolutamente nada (es decir, silencio en la música) y que hemos llegado a este punto particular de nuestras vidas sólo porque Dios, en algún punto anterior del pasado lejano, quiso que fuera así.

    La Cuarta Sinfonía continúa con el tema del misticismo judío, subtitulada, & # 8220Heichalos & # 8221, que se refiere a un texto antiguo que explora cuestiones espirituales y éticas sobre ser judío. Sin embargo, su génesis fue el resultado de algo posiblemente mucho más universal: un encargo de la Orquesta Sinfónica de Nashville, que se acercó al compositor para escribir algo en conmemoración de & # 8216Violins of Hope & # 8217. Su sitio web explica:

    & # 8220 [The] Violins of Hope es un proyecto de conciertos basado en una colección privada de violines, violas y violonchelos, todos recopilados desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Todos los instrumentos pertenecieron a judíos antes y durante la guerra. Muchos fueron donados o comprados a sobrevivientes, algunos llegaron a través de miembros de la familia y muchos simplemente llevan estrellas de David como decoración y una etiqueta de identidad que declara: & # 8216 fuimos interpretados por orgullosos klezmorim. Todos los instrumentos tienen un denominador común: tenían que ver con la guerra. Para ser más específicos, tenían que ver con el holocausto: muerte o supervivencia. Y la esperanza.

    Muchos de los instrumentos a menudo eran baratos o estaban en malas condiciones, pero todos fueron remodelados por un maestro constructor de instrumentos y forman parte de una colección, cada uno con su propia historia individual. Ahora hay más de 60 instrumentos y cuando 32 se exhibieron en Nashville en marzo de 2018, como parte de esa ciudad y el recuerdo de las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, también se unieron a la Orquesta Sinfónica de Nashville en su presentación en vivo del estreno de Leshnoff & # 8217s Fourth Symphony, que fue grabada y publicada por Naxos Classics (Naxos 8.559809). Esta tensa y poderosa sinfonía de dos movimientos puede durar apenas 22 minutos, pero es tal la profundidad de su pronunciación y su poderoso mensaje, que tiene un impacto emocional digno de una obra considerablemente más larga. A pesar de su subtítulo, las circunstancias de su creación hacen que sea un poco difícil separarlo de los horrores que deben haber presenciado los instrumentos de Violines de la esperanza. El terror y la desesperación de Sus acordes iniciales conducen a un primer movimiento de ansiedad palpitante, antes de que el segundo movimiento, un adagio mahleriano, comience en la memoria aparentemente nostálgica de los perdidos, antes de construir gradualmente hasta un clímax de noble moderación y grandeza, hasta que el Todo termina en un suave perdón, como una sonrisa de Maher a través de las lágrimas. Como cualquier gran obra, trasciende su tiempo y habla con igual relevancia incluso hoy, cuando el mundo entero sufre y se tambalea por el horror de una enfermedad que lleva a la muerte y la miseria a su paso, de la que solo ahora hay & # 8217s comenzando a salir. ser un rayo de esperanza & # 8230. & # 8221

    La grabación del estreno, interpretada por la Sinfónica de Nashville claramente inspirada en la ocasión a cargo de su director Giancarlo Guerrero, es sumamente fina y no me da ningún placer informar que otras cuatro presentaciones en concierto de la pieza tuvieron que ser canceladas durante el 2020. / Temporada 21 debido a la pandemia de Covid. Espero sinceramente que se reprogramen, porque, como le dije a Jonathan, esta es, en mi opinión, una de las mejores sinfonías que se han escrito en muchas décadas (Youtube).

    JL: Gracias. Creo que con mi cuarta sinfonía realmente he acertado, tanto espiritualmente como en el contenido de mi oficio como compositor, en el sentido de que siento que soy capaz de decir lo que quiero decir. Por ejemplo, los acordes de apertura estrepitosos que son todo lo que necesito para expresar lo que quiero transmitir al oyente, son tan crudos y esparcidos como puede ser, mientras que en el largo Adagio del movimiento final, puedo girar hacia afuera. una melodía que es capaz de valerse por sí misma sin excesos. La nota más larga en el movimiento final es, de hecho, una octava nota entera (corchea semibreve) y creo que se necesitan muchas agallas por parte de un compositor para presentar notas largas al oyente y esperar que comprendan exactamente cuál es el contenido subyacente. el mensaje que se transmite es. Compare esto con la versión muy florida de mí mismo en la primera sinfonía (recuerde, no solo contenía ideas místicas judías, sino también cristianas e islámicas, ¡así que también estaba espiritualmente por todas partes!), Pero ahora siento que estoy comenzando. para manejar las cosas, para ser más seguro y conciso & # 8211 o, como les gusta decir a mis alumnos, ¡Lesh es más!

    La Tercera Sinfonía es la excepción (hasta ahora) al no estar directamente influenciada por el misticismo judío y, en cambio, fue compuesta en memoria de otra guerra, esta vez la Primera Guerra Mundial (Youtube). Encargado por la Orquesta Sinfónica de Kansas City y su director principal, Michael Stern, recibió su estreno el 16 de abril de 2016, noventa y nueve años después del día en que Estados Unidos entró en esa guerra & # 8211 y el único museo de ese conflicto en los Estados Unidos. sucede que está en Kansas City. Una semana después, Reference Recordings (FR-739) realizó una grabación, que fue lanzada el año pasado con gran éxito. Esta obra de tres movimientos comienza con un lamento, la música intensa y anhelante, como en memoria de la insensata pérdida de vidas de ese conflicto, antes de que el violento movimiento central cobra vida representando la brutalidad de las batallas. Cuando escuché este trabajo por primera vez, estaba algo equivocado al comienzo del tercer y último movimiento que presenta un solo de barítono, tal vez estaba pensando en algo similar a los finales de otras sinfonías de guerra como Vaughan Williams & # 8217 Sixth o Honegger & # 8217s En tercer lugar, uno termina en aparente aniquilación, el otro con una breve coda de esperanza con el canto de los pájaros emergiendo de las ruinas humeantes. En cambio, Jonathan pone música a dos cartas a casa de hombres en primera línea, una a su madre reflexionando sobre lo repentinamente que su vida ha cambiado al estar estacionado en el extranjero en un conflicto, la otra de un hombre mayor que escribe una carta de amor a su esposa.

    LD: Estas cartas se encuentran en el Museo Nacional de la Primera Guerra Mundial en Kansas & # 8211 ¿cómo fue leer esas cartas personales de hace muchos años y por qué eligió dos que eran llamativas al no mencionar directamente la guerra o el conflicto?

    JL: fue un privilegio enorme, además de intensamente conmovedor & # 8211 un poco como leer las cartas de Mozart y Beethoven, te familiarizas con un aspecto de la vida de las personas que de otro modo nunca verías o conocerías. Sin embargo, también recuerdo haber leído un grupo de cartas donadas al museo por una familia donde un soldado les escribía a sus padres, contándoles sobre las dificultades y privaciones que estaba experimentando, así como los horrores de varias batallas. Recuerdo haber terminado la penúltima carta y pasar la página esperando leer la última en la que explicaba que debía volver a casa y, en cambio, me encontré con uno del gobierno de los EE. UU., La Oficina del Ejército, que decía sin comprender: & # 8216 Estimados Sr. y Sra. X: lamentamos informarle del fallecimiento de su hijo & # 8230. & # 8217. Solo tenía 19 años. En ese momento, como hijo y como padre, sabía que esto era algo que posiblemente no podría ponerle música. En cambio, siento que cuando llego al movimiento final de mi tercera sinfonía, todo el dolor y el horror de la guerra ya se ha expresado en los movimientos anteriores, todo con la orquesta sola & # 8211, de modo que en el movimiento final con el solo barítono, podría escribir sobre gente común, atrapada en eventos extraordinarios, simplemente escribiendo a casa sobre cosas comunes & # 8230

    Sin embargo, fue bastante extraordinario que descubrí después de que se completó el trabajo que una de las letras que elegí para mi sinfonía fue de un teniente Hockaday, que no solo sobrevivió a la guerra, sino que luego asistía regularmente a conciertos de la Orquesta de Kansas City. que estrenó la obra y que tiene un descendiente que se sienta en el tablero de la orquesta hasta el día de hoy (Irvine O Hockaday)! Para ser franco, había muchas otras cartas que podría haber usado, pero & # 8230


    Oberturas y trabajos más cortos de amplificador
    Como muchos compositores antes que él, Jonathan también se deleita con las formas más pequeñas: la obertura del concierto o el poema sinfónico, por así decirlo. Rush (2008) y Starburst (2010) son ambos ejemplos de esto, siendo este último su trabajo más realizado. Le pedí a Jonathan que nos contara un poco sobre la pieza:

    JL: Ah, este es mi abridor más conocido y fue estrenado por Marin Alsop y la Sinfónica de Baltimore, además de co-comisionado por Michael Stern y la Sinfónica de Kansas City y Jesús Amigo y la Orquesta de Extremadura en España. Cuando lo estaba componiendo, mis hijos me dijeron, & # 8221 ¡Suena a estrellas! & # 8221 Y supongo que suena como si yo & # 8217 imaginara que sonaría el vórtice cósmico de las nubes y la materia & # 8211 y así se convirtió en & # 8220 Starburst & # 8221. Me ha servido muy bien.

    LD: ¿Dirías que fue tu pieza & # 8220breakout & # 8221, Jonathan?

    JL: Sí, eso y el Primer Concierto para violín. Estaba muy orgulloso de ese trabajo en ese momento y, mirando hacia atrás, siento que puedes escuchar mi voz madura por primera vez. Ayudó que Naxos grabara mi Primer Concierto para violín y también se vendió muy bien para ellos, además ayudó a que mi nombre fuera más conocido, lo que a su vez resultó en llamadas telefónicas y un par de comisiones también.

    Escribiendo después de una interpretación de la pieza en Arts Knoxville, Alan Sherrod escribió:
    & # 8220 & # 8230el trabajo tiene momentos de puntuación, momentos de ritmo fluido y momentos de sorpresa sónica que inevitablemente obligan al oyente a un estado de euforia optimista. & # 8221 En mi opinión, son diez minutos bien invertidos investigando el trabajo. (YouTube).

    Cuartetos de cuerda
    Jonathan dijo una vez que es más difícil escribir obras más cortas que composiciones más largas, lo que le da al compositor & # 8220 más tiempo para desarrollar, amplificar y presentar el contraste & # 8221. Entonces le pregunté sobre los desafíos particulares de escribir un cuarteto de cuerdas. Mencioné el ejemplo de Shostakovich, cuyos cuartetos tal vez mostraban su & # 8216 rostro privado & # 8217 en contraposición al & # 8216 público & # 8217 de sus sinfonías y me pregunté si siempre era así para un compositor, incluido él mismo?

    JL: Sí, bueno, Shostakovich a veces no podía decir lo que quería decir en su música en caso de que terminara en Siberia, ¡lo cual no es un gran problema para mí! Al contrario, siento que en los cuartetos de cuerda, como en las sinfonías, nada se interpone en lo que el compositor quiere decir. Con esto quiero decir que no me preocupa constantemente que la orquesta ahogue constantemente a un solista. Por ejemplo, tome mi Concierto de guitarra & # 8211 durante todo el proceso de composición, necesitaba estar constantemente consciente de que la orquesta no puede tocar por encima de un cierto nivel dinámico, pero con un cuarteto de cuerdas, por otro lado, esto no es un problema. . De vez en cuando, me piden que componga una pieza para personas específicas, por ejemplo, Harris Miller y su esposa, Deborah Kahn, encargaron mi tercer cuarteto de cuerdas, de ahí su apodo, & # 8216Miller-Kahn & # 8217, que explora su maravillosa relación juntos. . Claramente, el tema determina mi narrativa en la música aquí, pero la forma en que puedo expresarlo, a través de un cuarteto, significa que siento que me estoy comunicando directamente con el oyente.

    LD: ¿Has escrito cinco cuartetos ahora?

    JL: Cuatro, pero el quinto está aquí (señalando su cabeza). Un día puede ser el momento adecuado para ponerlo en papel & # 8230

    Los Conciertos
    LD: Mencionas el desafío de escribir conciertos para instrumentos particulares, pero has escrito muchos.
    JL: Sí, trece o catorce, creo.

    El Concierto es el género en el que Jonathan Leshnoff ha sido el más prolífico & # 8211 ha escrito conciertos para prácticamente todos los instrumentos de la orquesta. De hecho, es más fácil para mí decir que no ha escrito (hasta ahora) uno para oboe, contrabajo, trompeta y corno francés y que usted asuma que ha escrito uno para todo lo demás.

    LD: Debe ser casi un riesgo laboral pasar junto a las orquestas en estos días en caso de que te agarren y te pidan que escribas otro concierto.

    JL: (riendo) Sí, seguro & # 8230

    LD: ¿Alguna posibilidad de un Triple Concierto para trompeta, trompa y contrabajo para intentar llegar a casa llena?

    JL: Creo que eso le costará a alguien mucho dinero y me costaría mucho convencerlo. Verá, el truco de escribir un concierto es considerar lo que hace la orquesta. Permítanme explayarme: si la función del concierto es convertir al solista en la estrella, entonces, ¿qué hace el compositor con la orquesta? pocas carreras triviales? Entonces, para hacer un concierto atractivo, el desafío es hacer que la orquesta se acerque, confronte y desafíe al solista y hacer que todos los instrumentos de la orquesta se sientan comprometidos y sientan que también están haciendo algo importante en la narrativa musical.

    LD: ¿Hay algún instrumento en particular que sea más desafiante a este respecto que otros?

    JL: Bueno, seguro que mi concierto para guitarra resultó especialmente desafiante a este respecto.

    El Concierto para guitarra de Jonathan Leshnoff & # 8217 de 2013 ha sido grabado por Naxos (8.559809) y tiene todas las señas de identidad de su estilo posterior, es decir, colores orquestales ingeniosos y coloridos, así como melodías maravillosas (Youtube). Para este escritor, si hubo un innegable olor a España en los movimientos exteriores (quizás inevitable con este instrumento), el fresco y bello movimiento central está tan lejos de las llanuras abrasadas por el sol de Iberia como se puede hacer.

    LD: Entonces, ¿cuáles fueron los desafíos particulares que planteaba una guitarra?

    JL: Bueno, fue tanto una sorpresa como un desafío. Verá, yo no toco la guitarra y es notoriamente difícil escribir para el instrumento a menos que lo toque, así que tuve que estudiar mucho antes de sentirme listo para asumir este desafío. De hecho, tuve que consultar con varios guitarristas, incluido el
    solistas, sobre si ciertos pasajes eran posibles. Las digitaciones de la guitarra son casi imposibles de descifrar a menos que toque el instrumento. Además, tuve que luchar mucho con el equilibrio, para que la orquesta no ahogara la guitarra, lo que podía hacer fácilmente. Verá, cada instrumento tiene algunas zonas de apagón donde no se puede escuchar con una orquesta tocando junto a él, pero con la guitarra hay que tener mucho cuidado en todo el rango. Mi solución a esto fue dejar que la orquesta estuviera más subordinada de lo habitual, actuar como una & # 8216 piscina reflectante & # 8217, escuchando lo que hace la guitarra y reflejándose.

    LD: ¿Cuál fue la inspiración detrás de ese movimiento central maravillosamente hermoso?

    JL: Este movimiento está subtitulado & # 8216Hod & # 8217, que es un concepto judío que significa humildad, la conciencia de la pequeñez de uno en el universo y el aprecio por los demás. La música es quizás & # 8216coolly & # 8217 & # 8211 para usar su palabra & # 8211 reflexiva y traté de lograr esto reduciendo la orquestación a solo violines, arpa y percusión.

    LD: Es un pasaje musical muy bonito. Noté con su Concierto para clarinete de 2016 que también es muy & # 8216 reflexivo & # 8217 con sus tres movimientos de Adagio-Scherzo-Adagio & # 8230

    El Concierto para clarinete fue un co-encargo entre las Orquestas Sinfónicas de Filadelfia y Santa Bárbara y fue estrenado en 2016 por la Orquesta de Filadelfia dirigida por Yannick Ne & # 769zet-Se & # 769guin, con su clarinetista principal Ricardo Morales como solista & # 8211 su actuación en El estreno, inquietantemente hermoso en los movimientos externos, ocupado y humorístico en el scherzo central, fue excelente y uno solo puede lamentar que no se haya aprovechado la oportunidad en el momento de grabarlo, porque ciertamente es un trabajo que merece la más amplia audiencia.

    JL: Sí, me gusta desafiarme a mí mismo con mis composiciones & # 8211 recuerda, dije que era más difícil componer música lenta, porque hay poco de los ocupados detalles incidentales de la música más rápida para distraer al oyente. Encuentro que tener desafíos o tener un problema que resolver me inspira a producir mi mejor música. Por ejemplo, en el segundo movimiento central & # 8216busy & # 8217 de mi Concierto para clarinete hay mucho movimiento y cosas corriendo, particularmente con el clarinete solo & # 8211, por lo que la orquesta necesita mantenerse al día, para rebotar ideas. , así como para presentar texturas en las que el clarinete podría, a su vez, brillar y reflejar. No quería escribir algo en el que la orquesta simplemente diga & # 8221oom pah-pah, oom pah-pah & # 8221 & # 8211 para mí, tiene que ser mucho más interesante para el oyente que eso.
    LD: No pude & # 8217t escuchar mucho & # 8216oom pah-pah & # 8217 en tu Concierto para piano de 2019, Jonathan.

    JL: ¡Yo también espero que no! Mi objetivo en mi Concierto para piano era alejarme de dejar que la orquesta fuera el acompañante, por lo que en el primer movimiento de esa pieza puedes escuchar a la orquesta girando alrededor del solista, además de comentar y desafiar al piano, además de & # 8216buddying-up & # 8217 y estar con el piano en ciertos momentos clave.

    LD: Debo decir que tanto yo como mi colega John Quinn aquí en MWI, disfrutamos mucho de su concierto para piano como, espero, dejaron en claro nuestras reseñas del estreno en vivo de la interpretación en Reference Recordings (FR-739). # 8211 Incluso logré persuadir a otro crítico de MWI para que lo escuchara, Ralph Moore, que es famoso por no gustarle nada moderno y también pensó que era fantástico. Para mí, en particular, me gustaría hablar sobre el último movimiento en el que supe instintivamente que el primer movimiento y el primer sujeto iba a regresar y cuando lo hace en la coda, el impacto es abrumador por ser tomado por el orquesta completa, en lugar de solo piano & # 8230.

    JL: Gracias & # 8211 sí, de hecho recuerdo haber compuesto ese momento y haber pensado que esto sería muy divertido.

    LD: Joyce Yang ha dejado constancia de que este sería el concierto perfecto para cuatro manos.

    JL: Sí, no simpatizaba mucho con los desafíos técnicos que enfrentaba Joyce, pero ella siempre está tan alegre con todo lo que acaba de descubrir, con una sonrisa. ¡Realmente puedo decir que la parte dura del piano fue culpa de Joyce & # 8217! La primera vez que la vi actuar fue en el Tercer Concierto para piano de Prokofiev (una pieza tremendamente difícil para el pianista) y pensé: 'Dios mío, suena como si tuviera cuatro manos', así que le escribí. un concierto a cuatro manos!

    LD: Noté que la partitura del Concierto para piano señala que el trabajo debería durar alrededor de 22 minutos en ejecución, pero la grabación real estaba más cerca de los 26 minutos & # 8211 ¿Te sorprendió eso?

    JL: Para nada & # 8211 verás, veo mi trabajo como compositor para traer una nueva pieza de música al mundo, para construirla y nutrirla hasta que, como un niño, sea capaz de irse y hacer su propio camino. en el mundo. Y cuando eso sucede, la pieza cobra vida propia independientemente de mí y me encanta cuando los intérpretes encuentran capas y matices en la música en los que no he pensado. Incluso me encanta cuando los críticos escuchan cosas en la música que yo tampoco sabía que estaban allí.Verá, la reacción de cualquier persona a la música es exclusivamente suya, porque todos somos, en última instancia, almas únicas y nada me da más placer que escuchar a un intérprete traer algo nuevo o diferente en mis propias obras.

    Jonathan Leshnoff también debe ser uno de los pocos compositores que ha escrito no solo uno, sino dos conciertos dobles (tres, si se incluye el tour de force que es el Concierto para dos percusionistas de 2011). El más antiguo para violín y viola es de 2007 y es una pieza más melancólica e introvertida según los estándares de Jonathan, evitando el brillo y el brillo de Starburst, que en cambio es reemplazado por un considerable misterio y otro mundo (Youtube). De hecho, la hermosa apertura del tercer movimiento, con piano, arpas en cascada y celeste, me recordó a Neptuno de Holst & # 8217s Suite Planetas y en el final tranquilo de toda la obra, que repite el cierre del primer movimiento pero esta vez revestido de la orquestación mágica del tercer movimiento, el efecto es hechizante, además de enormemente original y conmovedor (se ha registrado en Naxos: 8.559670). Le pregunté a Jonathan si le gustaba especialmente escribir conciertos para dos instrumentos, o & # 8230

    JL: Bueno, es un desafío peculiar e interesante, sobre todo en lo que respecta a la función de una orquesta en un concierto, ya que cuando tienes dos solistas, ahora te has complicado la parte del solo. Es decir, hasta ahora hemos hablado de la orquesta versus el solista y de cómo hacer que la orquesta sea relevante. Sin embargo, ahora que hay dos instrumentos solistas, debe averiguar qué hacer con ambos solistas, de modo que ambos estén & # 8220busy & # 8221 y & # 8220constructive & # 8221. Quiero decir, ¿trabajan uno contra el otro o juntos? ¿Están al unísono o en contrapunto? ¿Están en armonía? Y luego, una vez que haya resuelto esos problemas, lo que lleva tiempo & # 8211, debe averiguar cómo mantener la orquesta relevante no con uno sino con dos solistas. Recuerde, parte de la función orquestal puede ser asumida por el segundo solista, por lo que esto solo complica la función de la orquesta. En mi experiencia, escribir conciertos dobles es muy complicado.

    LD: Creo que su concierto para violín y viola es una pieza excelente y me preguntaba si debe ser la única vez que estos dos instrumentos se han usado juntos en un concierto.

    JL: Creo que te has olvidado del Concierto de Mozart, pero también hay (creo) un par de Bruch y quizás Britten

    LD: Confío en que haya verificado los hechos, si dice que hay uno de Britten, entonces tomaré su palabra, pero no estaba familiarizado con eso, lo cual no es una sorpresa, pero aparte de eso, 8217m no estoy seguro & # 8230. Siento que fui bastante influenciado por Shostakovich en mi Concierto doble para violín y viola. No sé si escuchaste eso.

    LD: No era tan obvio para mí como Holst, pero creo que eso dice mucho de mí. Sin embargo, su & # 8220other & # 8221 Concierto doble para clarinete y fagot de 2018 definitivamente debe ser el único para ese par de instrumentos.

    JL: De hecho, Strauss también escribió uno.

    Este concierto, ingenioso, colorido, efervescente y melódico fue estrenado por Manfred Honeck y los jugadores estrella de la recepción de la soberbia Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, además fue grabado y lanzado por Reference Recordings como un acoplamiento para el mismo equipo & # 8217s Tchaikovsky Symphony No 4 En realidad, esta grabación pasó algún tiempo en las listas de vallas publicitarias de EE. UU., Tal vez por cortesía de su acoplamiento de alto perfil, pero no obstante, suscitó un gran comentario entusiasta por derecho propio (Youtube). Es, en mi opinión, una obra maravillosa que no se ve eclipsada por su vecina de peso pesado en esta grabación.

    JL: Fue un desafío interesante, tratar de combinar el clarinete, con su agilidad y colores aparentemente ilimitados, con el color más pesado del fagot, para asegurar que este último destacara en la textura orquestal. Una de mis soluciones a esto fue utilizar el extremo superior del sonido del fagot & # 8217s, que personalmente encuentro bastante conmovedor y que me dio un cierto mundo sonoro alrededor del cual el clarinete podía tejer. Para complementar esto, me propuse crear texturas etéreas y translúcidas desde dentro de las orquestas, usando cuerdas divididas, por ejemplo, como un tapiz sobre el cual los dos instrumentos solistas podrían crear su magia. Creo que Manfred [Honeck], además de Michael [Rusinek] y Nancy [Goeres] hicieron un trabajo maravilloso al darse cuenta de esto.

    Los Oratorios
    La última área en la que Jonathan Leshnoff ha tenido una gran actividad son los oratorios & # 8211, de hecho, ha compuesto cuatro de ellos, aunque solo el último, Zohar, ha sido grabado, por Robert Spano y la Orquesta Sinfónica de Atlanta (ASO 1008). . El Maestro Spano en realidad le encargó al compositor que escribiera algo para ser interpretado en el Carnegie Hall para un concierto en memoria de Robert Shaw, quien fue el maestro del coro de Toscanini y director de la Sinfónica de Atlanta durante muchos años. Jonathan dijo en ese momento: & # 8220Todo lo que me dijeron fue: & # 8216 Nosotros & # 8217 vamos a hacer el Réquiem de Brahms, ¿puedes hacer una pieza que le dé a la soprano un poco más de trabajo? & # 8221 (fuente: The Atlanta Jewish Times, abril de 2016). El resultado fue este oratorio, inspirado en el antiguo texto espiritual conocido como el Zohar, la base de la Cabalá, 25 minutos de música edificante y extática diseñada para complementar la comodidad y el consuelo de Brahms (Youtube). Para conmemorar la última temporada de Robert Spano como director musical de Atlanta, se encargó un quinto oratorio, El sacrificio de Isaac, que estaba programado para estrenarse en abril de 2021. Le pedí a Jonathan que me contara más sobre este nuevo trabajo y si Hubo algunos desafíos particulares al escribir sobre un sacrificio que en realidad no ocurre.

    JL: En realidad, el mayor desafío con esto fue lo poco que hay al respecto en la Biblia & # 8211 solo unas pocas líneas de hecho & # 8230

    LD: ¿Un poco como con Salomé y la decapitación de Juan el Bautista, tal vez?

    JL: Sí, excepto que no tenía a Oscar Wilde a mano para ayudarme a ampliar la historia. En cambio, tuve que ir a investigar otras escrituras antiguas para obtener más inspiración. Esta historia es muy conocida, especialmente como una demostración de lo que es & # 8216faith & # 8217, no solo para los judíos, sino también para los cristianos, los musulmanes y realmente para cualquier persona, al menos esa es mi intención también. Mi investigación encontró que los comentarios rabínicos judíos, de hecho, ampliaron la historia, que es muy concisa como se relata en el Antiguo Testamento. Por ejemplo, encontré en estos comentarios rabínicos que & # 8211 aparentemente después de que Dios ha dado la orden, Satanás aparece y se burla de Isaac, diciendo & # 8220tu anciano & # 8221 (es decir, Abraham) & # 8220 ha perdido la trama & # 8221. Asimismo, todos los ángeles discuten y le gritan a Dios, diciendo que no puede mandar algo tan terrible. Al final, hubo mucho drama & # 8211 drama bíblico - para que yo trabajara.

    LD: Personalmente, no puedo esperar a escuchar cómo representas la palabra de Dios & # 8211 yo & # 8217m pensando que tal vez con un órgano, o al menos con toda la sección de trombón.

    JL: No, tampoco & # 8211 en mi trabajo, ¡la palabra de Dios es un contra-tenor! Siempre que Él habla, quería que la música fuera pura, tranquila e intensa para intentar crear una especie de experiencia mística. Es como con mi oratorio anterior, Zohar, que la verdadera experiencia espiritual y mística solo ocurre cuando la música está en su punto más bajo y nosotros, los oyentes, no nos distraemos. Está basado en una vieja idea judía de que Dios siempre nos está hablando, pero estamos demasiado ocupados (con nuestros teléfonos celulares, etc.) para escucharlo. De aquí es de donde viene la idea de la meditación, cuando te estás enfocando en la respiración, enfocándote en la nada, lleva a alguien a una nueva conciencia espiritual. En mi oratorio, para ofrecer contraste, Abraham es barítono e Isaac es tenor.

    LD: ¿La pintura de Caravaggio del mismo nombre, que se encuentra cerca en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton, proporcionó alguna inspiración?

    JL: No lo sabía hasta que alguien me lo mostró cuando estaba terminando mi oratorio. Es, por supuesto, un cuadro lleno de dramatismo propio, pero quería abordar la obra únicamente desde la cuestión religioso-espiritual. Ese drama real en la pintura es lo que estoy buscando en medio de mi propio trabajo con el verdadero & # 8220sacrifice & # 8221, que me planteó un desafío interesante como compositor porque, como dices, no sucede. Sin embargo, puedo decirles que en el momento previo a ello, la orquesta y el coro están explotando y volviéndose locos, rogando a Abraham que no lo haga cuando, de repente, la música se detiene y todas las luces se apagan, salvo por un foco encendido. Isaac, quien luego canta una antigua canción de amor litúrgica judía (todavía cantada hasta el día de hoy por muchos judíos ortodoxos en el día de reposo) entre el alma y Dios, donde el alma expresa su cercanía a Dios, además de expresar el deseo de regresar y tener una comunión mística con Él. En otras palabras, aunque Isaac está a punto de ser sacrificado, no es una escena espantosa, sino muy hermosa y tierna para cuerdas, arpa y tenor. Al final, utilizo algunas palabras de la confesión judía antes de la muerte y de ahí, la música y la acción pasan al ángel que detiene el sacrificio. Sin embargo, si quieres saber qué sucede a continuación, ¡tendrás que comprar un boleto!
    LD: A diferencia de tus oratorios anteriores, este empieza a sonar casi casi operístico, Jonathan.

    JL: Es & # 8217 verdad & # 8211 y eso & # 8217 es la cosa, ya que siento con este tipo de música que la voz tiene que estar en el centro de atención. Para mí, cuando la gente canta, ocurre una magia especial y, por lo tanto, ser & # 8216operatic & # 8217 es el camino a seguir en la música vocal: la gente escucha solos, escucha la voz, por lo que no puede ser marginada. En cambio, tiene que ser melódico y dramático.

    LD: ¿El estreno está previsto que tenga lugar este abril de 2021?

    JL: Sí, pero los problemas que rodean a Covid, por supuesto, lo han hecho retroceder.

    Coda y amp Finale
    LD: La pandemia de Covid ha sido claramente una experiencia terrible para todos, sobre todo para personas como usted que se dedican a las artes escénicas. ¿Crees que es el mayor desafío al que te has enfrentado hasta ahora en tu carrera, Jonathan?

    JL: Va a ser muy difícil, porque no solo tomará un tiempo para que los niveles de audiencia vuelvan a ser lo que eran, sino que los conjuntos necesitarán tiempo para reconstruir sus finanzas antes de que puedan comenzar a ser ambiciosos con sus proyectos también. Creo que nos llevará unos cinco años volver a donde estábamos financieramente, así como recuperar nuestra confianza, ya que todos estamos conmocionados.

    LD: ¿De cuál de tus obras estás más orgulloso?

    JL: Hmm & # 8211 eso & # 8217 es difícil.

    LD: ¿& # 8220¿Cuál de tus hijos crees que resultó mejor? & # 8221, ¿sería mejor, Jonathan?

    JL: ¡Exactamente! Bueno, no estoy seguro de un trabajo específico, pero estoy orgulloso de momentos específicos dentro de los trabajos en los que personalmente tengo un desafío, que no está articulado para nadie más. Por ejemplo, antes mencionamos la coda del Concierto para piano, o el movimiento lento de mi Cuarta Sinfonía y muchos otros. Básicamente, cada composición tiene un & # 8216momento & # 8217 en el que tengo que esforzarme a propósito para que algo suceda.

    LD: Entonces, ahora que El sacrificio de Isaac está terminado, si tuvieras la oportunidad de componer algo a continuación, ¿cuál sería?

    JL: Bueno, he recibido y estoy trabajando en algunos encargos en este momento, pero quizás sean piezas demasiado incompletas para que pueda hablar todavía. Pero si me ofrecieran un cheque en blanco, tendría que decir mi Quinta Sinfonía.

    LD: ¿Sería en Do menor, como la Quinta Sinfonía de Beethoven y la propia Quinta Sinfonía de la que hablamos al principio?

    JL: ¡Apuesta!

    Habrá muchos lectores, incluyéndome a mí, que se alegrarán de que Jonathan Leshnoff haya elegido un camino musical en el que aparentemente ha tomado el relevo dejado por Shostakovich y William Walton, en contraposición al camino más atonal pisado por Boulez, Stockhausen y otros. . Para mí, se une a otros compositores contemporáneos, como James Macmillan y Peteris Vasks, al escribir música que no solo es accesible, sino distintiva e individual por derecho propio. Para mis oídos, si disfrutas de la música de los mencionados Walton y Shostakovich, además de Samuel Barber, Copland, Prokofiev, Vaughan Williams y otros de esa época, Leshnoff ofrece un rico cuerpo de obras de las que obtendrás mucho placer e interés. Si está dispuesto a explorarlos, los mejores lugares para comenzar serían el reciente Concierto para piano, la poderosa Cuarta Sinfonía o el Concierto doble para violín y viola ligeramente anterior y si se encuentran agradables, entonces no hay razón. por qué el resto de las obras de Leshnoff & # 8217 no deberían ser igualmente agradables. De cualquier manera, con su música comenzando a ser interpretada por las principales orquestas estadounidenses con sus directores Michael Stern, Robert Spano, Marin Alsop, Manfred Honeck y Yannick N zet-S guin, parece que es solo cuestión de tiempo antes su música comienza a aparecer regularmente en salas de conciertos en todo el mundo fuera de los Estados Unidos & # 8211 y todos seremos más ricos por ello. Quizás, del mismo modo, continuará su notable desarrollo y realmente se convertirá en el próximo gran compositor de Estados Unidos.

    Al final de nuestra conversación de dos horas, le pregunté a Jonathan cómo le gustaría que lo recordaran.

    JL: Me gustaría ser recordado como sinfonista, pero si no es así, como compositor cuya música llevó a la gente a un viaje. A dónde los llevó ese viaje, qué eligen ver u oír, si experimentaron algo aterrador o doloroso, eso es su elección, pero mi trabajo es abrir esa puerta. Sin embargo, si al final de ese viaje su vida está en un lugar mejor que al principio, entonces he hecho mi trabajo & # 8211 y eso me haría muy feliz.

    Lee Denham marzo de 2021

    Reseñas sobre MWI
    Starburst (2010) revisión
    Concierto de guitarra (2013) revisión
    Cuatro danzas para cuarteto de cuerda (2014) revisión
    Sinfonía No. 3 (2015) revisión
    Sinfonía No. 4, & quotHeichalos & quot (2017) revisión
    Concierto doble para clarinete y fagot (2018) revisión revisión
    Concierto para piano (2019) revisión


    Dona y mantennos a flote

    Grabaciones del mes


    Shostakovich
    Conciertos para piano y trío


    Devos: ciclos de canciones en inglés


    Christian Gr y oslashvlen: Eventyr


    El consorte bien temperado


    La colección Rachmaninov


    Thomas Agerfeldt OLESEN
    Concierto para violonchelo


    Honestamente, odio tener que dar El ruido del tiempo una reseña negativa. Por un lado, Julian Barnes es, sin duda, un escritor de gran talento. Por otro lado, esta novela tiene varios problemas evidentes que exigen atención y crítica.

    El ruido del tiempo se divide en tres partes, cada una de las cuales se centra en un momento decisivo de la vida del famoso compositor ruso Dmitry Shostakovich bajo el estalinismo y después de la muerte de Stalin. La primera parte ocurre en 1936, después de un evento histórico adaptado & # 8211 Shostakovich & # 8217s nueva ópera, & # 8220Lady Macbeth de Mtsensk & # 8221, que no fue bien recibida por Stalin, quien abandonó la función antes de tiempo. Stalin condenó la ópera y denunció a Shostakovich como enemigo del pueblo. La novela comienza con una imagen inquietante de Shostakóvich parado afuera de su apartamento en plena noche, con ropa de calle y con una pequeña maleta, frente a un ascensor vacío. Está esperando que la NKVD se lo lleve, con la esperanza de que la policía secreta venga solo por él y no por su familia. Pero nunca lo hacen & # 8211 en lugar de estar confinado a la claustrofobia de una pequeña celda de prisión, el compositor tiene que aguantar algo mucho peor: la claustrofobia asfixiante de una sociedad consumida por el miedo, donde cualquiera puede desaparecer por capricho de los poderes que ser.

    La cuestión filosófica en el corazón de los Ruido del tiempo es: ¿Cómo sigue un artista su visión personal en una sociedad totalitaria?? Al responder a esta pregunta, el libro se extiende a ambos lados de la brecha entre la biografía y la ficción histórica, pero ningún género sirve. Si bien utiliza hechos reales de la vida de Shostakovich, no tiene suficiente trama o ficción real para ser clasificado como & # 8220 ficción histórica & # 8221. Pero tiene personajes de ficción y sus pensamientos imaginarios, lo que significa que tampoco es completamente biográfico. Más bien, es un ensayo histórico híbrido sobre la naturaleza del arte y la libertad de pensamiento en la URSS, que utiliza a Shostakóvich como ejemplo de un gran talento al que apunta y forma personalmente el sistema. Pero eso plantea la pregunta de por qué Barnes eligió abordar su Gran pregunta en forma de novela, que El ruido del tiempo indudablemente se comercializa como.

    A pesar de albergar numerosas defensas apasionadas del arte, la novela es bastante ingenua en sí misma. La redacción en sí es excelente, pero el contenido es & # 8220off & # 8221. Vi etiquetas de emoción, pero no sentí nada. Los personajes eran delgados como el papel y parecían funcionar solo como portavoces de la opinión del autor sobre los diversos problemas principales marcados en la lista. Lo hace El ruido del tiempo ¿Conseguir dar a los lectores una idea de cómo una mente creativa puede funcionar bajo un sistema opresivo? Si. Pero debido a que Barnes se centró en una figura histórica real como narrador, pude sentirlo detrás de esa figura en todo momento. Siempre que Shostakóvich abría la boca (o la mente), no eran sus propios pensamientos los que se derramaban, sino la investigación de Barnes y su escritura cuidadosa.

    Para ser justos, mezclar realidad y ficción es algo con lo que todos los escritores de HF luchan en algún momento. Yo, putin lidiado con ese problema en algunos lugares. En las pocas ocasiones en que intenté la ficción histórica, me dolió dejar fuera algunas de mis investigaciones. Y, de hecho, es admirable que Barnes haya optado por mantenerse fiel a los hechos históricos reales, en lugar de tomarse libertades extremas, como suelen hacer muchos escritores cuando tratan con Rusia. Pero como le dirá cualquier escritor de HF, la investigación sirve a la ficción, no al revés.

    Algo me dice El ruido del tiempo sería más fuerte como una obra de no ficción.

    El ruido del tiempo: una novela por Julian Barnes. Pub. 2015 por Jonathan Cape. Tapa dura, 184pp. ISBN13: 9781910702604.


    El húngaro que mantuvo vivo a Beethoven

    En el cuarto de siglo posterior a la muerte de Beethoven en 1827, solo una pequeña parte del público tuvo acceso a sus obras más importantes. Las orquestas eran escasas y de calidad desigual, mientras que muchos conciertos eran exclusivos, inaccesibles para los no invitados.

    En este olvido acumulativo, nadie hizo más por perpetuar la música y la memoria de Beethoven que el pianista y compositor húngaro Franz Liszt.De gira a lo largo y ancho de Europa desde Rusia a Irlanda, del Báltico a los Balcanes, Liszt interpretó, además de su propia música, las transcripciones que hizo de obras que, en su opinión, deberían ser más conocidas. Mientras que su piano & # 8216reminiscences & # 8217 de éxitos de la ópera italiana garantizaban el agrado del público, Liszt leudaba su menú con Beethoven con el propósito de mejorar el gusto del público.

    Comenzando con interpretaciones verdaderamente imaginativas y hermosas para piano solo de la canción & # 8216Adelaide & # 8217 y el primer septeto, Liszt no transcribió las sinfonías de Beethoven hasta que cumplió los 50. Leyó las pruebas antes de su publicación mientras permanecía en el Vaticano, asistiendo a Misa como sacristán mientras trataba de solucionar sus problemas matrimoniales. Beethoven fue tanto un refugio como la fe para este músico-sacerdote atribulado y trifurcado que pasó su vida entre Weimar, Budapest y Roma, con excursiones ocasionales a Bayreuth.

    Las reducciones para piano de Liszt de las sinfonías de Beethoven casi nunca se dan hoy en día en una sala de conciertos. Su biógrafo Alan Walker escribe: & # 8216 Ellos disipan la visión popular de él como un showman, tomando obras de otros compositores & # 8217 y convirtiéndolas en un espectáculo de fuegos artificiales para su propia glorificación. El acto de abnegación. suprimir sus propios impulsos creativos en interés de la música de Beethoven & # 8217s, tiene pocos paralelos. & # 8217

    Todas sus transcripciones sinfónicas han sido grabadas. Te sorprenderá ver a continuación qué mentes musicales se posaron en ellos.

    1ra sinfonía

    El pianista francochipriota Cyprien Katsaris grabó las nueve sinfonías en la década de 1980 y Warner las reeditó en 2006. Si bien las interpretaciones son de alto nivel, el sonido es menos que ideal y hay pocos saltos de imaginación en las interpretaciones. Las dos primeras sinfonías dan un buen sabor de serie decente. Las actuaciones de Idil Biret & # 8217 en Bruselas en 1985 también se ven empañadas por un sonido poco distinguido. La producción de 2020 de Jean-Louis Haguenauer, profesor de la Universidad de Indiana, Bloomington, es mucho más clara y brillante, y su adagio inicial es también el más expresivo.

    2da sinfonía

    Grabada en la iglesia St Martin & # 8217s, East Woodhay, en Hampshire, esta actuación en Naxos del pianista ruso-suizo Konstantin Scherbakov es maravillosamente contemplativa, como si capturara a Beethoven en una caja de cerillas y lo observara para deleite privado. El sonido es exactamente lo que esperaría de una iglesia rural inglesa y de un equipo de grabación profesional. Estos estándares se mantienen a lo largo de este ciclo.

    3a sinfonía, Eroica

    El veterano virtuoso francés Georges Pludermacher entra en escena con una interpretación que se inclina por el lado de la magnilocuencia napoleónica, planteamiento que el propio Beethoven reconsideró. La marcha fúnebre de Pludermacher & # 8217 es maravillosamente sombría, la mejor parte de esta actuación. Para toda la sinfonía, prefiero el lanzamiento de 2019 del italiano Gabriele Baldocci, socio ocasional de Martha Argerich. La suya es otra evocadora grabación de una iglesia rural, realizada en Chiese di Sant & # 8217Apollinare, Monticello di Lonigo.

    Cuarta sinfonía
    El francés Alain Planès, ex solista del conjunto de Pierre Boulez & # 8217, añade una especie de modernismo puntillista a las partituras de Liszt & # 8217, como si John Cage las hubiera repensado para un piano preparado. Es excepcionalmente escuchable en los movimientos lentos. De lo contrario, Katsaris y Biret servirán.

    Quinta sinfonía

    Agárrate a tu sombrero. Este es Glenn Gould tocando la quinta sinfonía de Beethoven en un piano que, mientras está afinado, posiblemente haya visto días mejores. Pronto superará esa reserva porque esta es una de las lecturas de la sinfonía más apasionantes que se pueden encontrar en cualquier lugar, ya sea de orquesta completa o de piano solo. La recapitulación de Gould del tema de apertura por sí sola debería enseñarse en todos los cursos de dirección en la tierra.

    Y si eso no sorprende lo suficiente, aquí está una de las grandes mentes musicales de Viena, el experto en piano de época Paul Badura-Skoda, que le da a la sinfonía el beneficio de su inmenso conocimiento del timbre beethoveniano. Maravillosamente ligero en el registro superior, Badura-Skoda encuentra colores que nadie más sospecha & # 8211 aunque sin crear la interpretación redondeada que Gould ofrece tan monumentalmente.

    Sexta sinfonía, Pastoral
    Glenn Gould de nuevo & # 8211 el compañero perfecto en el primer movimiento y un terror absoluto en la tormenta. Una de las grandes Pastorales, por una milla de campo.

    También me encanta la atmósfera bucólica evocada por Ashley Wass en un fortepiano original de 1820 en una casa de campo inglesa. Es un sonido distintivo, perfecto para esta pieza. Es posible que desee probar al francés Michel Dalberto, un encantador narrador de una recopilación muy reciente de Harmonia Mundi de las transcripciones completas de Liszt / Beethoven..

    Séptima sinfonía

    Estás a punto de escuchar el par de manos más fenomenal que he tenido la suerte de encontrar. Ronald Smith era un inglés con gafas de guijarros que interpretó las piezas más difíciles de Busoni y fue el único responsable del resurgimiento del casi imposible de tocar Alkan, el único pianista del siglo XIX que puso a Liszt en la sombra. Ronald, a quien llegué a conocer a través de sus esfuerzos de Alkan, se estaba quedando ciego y consignó una gran cantidad de música en la memoria. Lo que escuchamos en su relato de Liszt / Beethoven 7th es un pianista tan talentoso como Liszt que le da sentido a un compositor tan grande como Beethoven. No creo que respiré durante el segundo movimiento.

    A modo de contexto, escuche a Jean-Claude Pennetier y Michel Dalberto tocar una versión a cuatro manos, que parece contener menos notas de las que maneja Ronald Smith con las dos manos.

    Octava sinfonía
    El ruso Yury Martynov, profesor del conservatorio Tchaikovsky de Moscú, grabó el ciclo en septiembre de 2013 en la Iglesia Doopsgezinde Gemeente de Haarlem, Holanda. Usando un gran concierto de mediados del siglo XIX, evoca más a Liszt que a Beethoven. La modesta ocho sinfonía responde particularmente bien a este enfoque más vistoso.

    Novena sinfonía
    No es realista imaginar que el Noveno pueda reducirse al tamaño de una sala de estar y que ninguna de las interpretaciones disponibles sea del todo satisfactoria. Me atrae una lectura lírica de 2009 del italiano Maurizio Baglini, a veces tan pausada que casi se detiene. Katsaris, Biret y Scherbakov también están bien, pero estoy más convencido en esta sinfonía por la versión a cuatro manos de 2008 interpretada por Leon McCawley y Ashley Wass, dos jóvenes con prisa.


    Ver el vídeo: Συνέντευξη με τον αστρονόμο Άγγελο Τσιάρα: τι είναι ένας εξωπλανήτης u0026 άλλα θετικά ερωτήματα (Junio 2022).


Comentarios:

  1. Taugis

    Una vez que puedas lamer



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