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Colección de joyería ptolemaica

Colección de joyería ptolemaica


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Historia de los grabados de piedras preciosas

El arte de tallar gemas (glípticos en griego) es uno de los testimonios más antiguos de cómo las fascinantes miniaturas instaladas pueden transformar las gemas en pequeñas obras de arte con inmenso carisma y significado mágico. Decoración, símbolos y fórmulas mágicas que aún fascinan y le han dado al grabado de gemas un lugar especial en la historia cultural de la humanidad.

Taller de gemas según Diderot d’Alambert 1868

Las raíces de los glípticos se encuentran en el séptimo milenio antes de Cristo. Los babilonios utilizaron inicialmente piedras blandas como serpentina, esteatita, lapislázuli o turquesa, ya que el naxio, un material de corindón de la isla de Naxos se puede utilizar para hacer marcas en él. Con signos y símbolos, las piedras pronto se convirtieron en amuletos populares. Los babilonios pronto desarrollaron la forma cilíndrica, que pronto produjo el sello rodante, que se utilizó para documentar eventos de considerable importancia. Según un informe de Herodot, todos los babilonios llevaban un anillo de sello o un sello rodante alrededor del cuello. De hecho, muchos de ellos se han conservado.

El Museo Antropológico de Berlín contiene momias con anillos de sello todavía en los dedos. Estos anillos con sus símbolos grabados profundamente en las piedras se han utilizado como sellos para documentos y para marcar posesiones hasta los tiempos modernos. Su impresión hizo que los documentos fueran legalmente vinculantes y defendieran la propiedad.

El uso de taladros de pistola y tecnología de ruedas pronto permitió el procesamiento de piedras preciosas más duras como el rubí, el zafiro o el cuarzo y permitió la producción de imágenes más exigentes. Dos mil años antes de Cristo fue una edad de oro a este respecto. Las representaciones bastante estilizadas de héroes luchando contra animales, dioses espantosos y personas sacrificadas hasta entonces se volvieron más realistas. Cuando el grabado de piedras preciosas se absorbió en minoico-micénico y más tarde en la cultura helénica, se insufló un nuevo aire a esta antigua tradición oriental. Las plantas y animales diseñados artísticamente irradian alegría de vivir y naturalidad. Las figuras en miniatura, absolutamente refinadas, reflejan la imagen ideal griega de la humanidad. Afrodita y Eros o la diosa de la victoria Nike se encuentran como motivos favoritos de los grabadores de esta época junto con la elegante representación de la forma femenina.

Los talleres reales de la corte de los reyes ptolemaicos en Egipto desarrollaron una nueva tecnología de corte de piedra en el siglo III a. C. En Sardonix, India, se crearon magníficos camafeos, diseñados por primera vez como relieve. Desde entonces, los expertos han hecho una distinción entre camafeos (levantados) e intaglios (hundidos), mientras que no siempre se hace una distinción correcta entre camafeos y gemas.

Intaglio, Nicolo, aprox. 3,5 x 2,5 x 4,3 cm.
“Caracalla como Hércules”, 205-208 d.C.
La Fundación Leo Merz, Berna, anteriormente Colección del Príncipe de Furstenberg

Para fortalecer su poder en casa, los emperadores romanos encargaron a los cortadores de piedra griegos la producción de valiosos camafeos a su imagen. Dioskurides, el cortador real griego de la corte del emperador Augusto, procesó la sardonix árabe, la piedra de preferencia, utilizada para hacer ejemplos clásicos de corte de piedra antigua, con gran habilidad artística.

La siguiente etapa involucró cameos en varias capas, como Gemma Claudia, Lion Cameo (que ahora se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena), en el que los múltiples colores se utilizaron para crear encantadores matices de sombra.

Sello de cilindro, sello y escarabajo

Las representaciones en gemas y camafeos se cortaron en la piedra con taladros extremadamente finos y una lupa de cristal. Las primeras “falsificaciones”, piedras preciosas hechas de pasta de vidrio, también surgieron en la Antigua Grecia y Roma. Se utilizaron en particular para joyas de oro preciosas o anillos y colgantes, tal vez porque sus colores generalmente azul / blanco o azul / negro ofrecían un fuerte contraste con el oro. Las piedras preciosas mágicas jugaron un papel muy importante, fueron producidas en los siglos II y III d.C. como huecograbado. Eran pequeñas y poderosas piedras preciosas y piedras de joyería con imágenes grabadas e inscripciones, que la gente usaba como medallones, piedras de anillo o cosidas en bolsas. Esta forma de amuleto ha fascinado a las personas desde la antigüedad hasta la Edad Media, el Renacimiento e incluso hasta hoy. De hecho, el mundo de la ciencia está cada vez más interesado en ellos.

Ida y August Purper, constructor de la villa de finales del siglo XIX,
que ahora alberga el Museo Alemán de Piedras Preciosas Idar-Oberstein.
Gemas de la “Era Idarer Caméen”, joyas favoritas de I. Purper, 1847-1937

En la Edad Media, las piedras preciosas antiguas se utilizaron para cubiertas de libros preciosos, santuarios, crucifijos y objetos de iglesia, diademas y coronas. Aparte de algunos trabajos en las edades carolingia y Staufer, algunas gemas se fabricaron en cristal de montaña de Borgoña. La edad de oro del redescubrimiento de las piedras preciosas tuvo lugar sobre todo en el renacimiento italiano. Tomó a la Antigua Grecia como modelo a seguir. De hecho, pretendía ser más que una simple copia y, de hecho, la preservación y el desarrollo de su espíritu. Los principales centros fueron Florencia, Roma y Venecia, que fue el punto de partida del grabado con diamantes, desde donde se extendió a los Países Bajos.

Relieve plano de August Rudolf Wild, Idar,
Gran Premio de la Exposición Universal de París 1937

Los pequeños retratos de camafeos según fuentes antiguas fueron populares en los siglos XVIII y XIX. Se fabricaban con un coste elevado y se utilizaban como incrustaciones, por ejemplo, en las tapas de cajas pequeñas o como pisapapeles. Los camafeos hechos de mejillones y lava estuvieron de moda en Italia durante el siglo XVIII. Von Heck, uno de los artistas de piedras preciosas más ávidos de mediados del siglo XVIII, hizo una calcografía de Goethe, quien se convirtió en uno de los coleccionistas más apasionados de grabados, avena de armas y monogramas. Este campo del arte vivió una edad de oro en el siglo XIX.

El principal centro actual de grabado de piedras preciosas, Idar-Oberstein, está estrechamente vinculado a París. Los jóvenes artistas de Idar-Oberstein viajaron a la metrópoli del Sena desde los años cuarenta y se habían hecho un buen nombre como grabadores. Fueron expulsados ​​de Francia como resultado de la guerra de 1870/71 y fundaron el centro moderno de grabado de piedras preciosas, que sigue siendo indiscutiblemente más importante, en su ciudad natal de IdarOberstein.


El legado más perdurable de Elizabeth Taylor puede sorprenderte

La colección de joyas del icono del estilo deslumbra tanto como su notable carrera.

El legado más duradero de Elizabeth Taylor puede ser su constante adoración, su colección mdashand y sus impresionantes joyas mdashof, así como sus numerosos matrimonios y su currículum actoral. Nacido en Londres en 1932 de padres estadounidenses que eran marchantes de arte, Taylor y la familia se mudaron a Los Ángeles después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Apareció por primera vez en la pantalla grande en la película de 1942. Hay uno nacido cada minuto a la edad de 10 años se convirtió en un nombre familiar a los 12 años con 1944 Terciopelo Nacional, que recaudó más de $ 4 millones.

Tanto como Taylor ganó fama por aparecer en películas como Gato sobre un tejado de zinc y Butterfield 8, era famosa por su escandalosa vida amorosa. Taylor fue citado notablemente diciendo una vez que para tener una historia de amor, uno tenía que casarse y mdash lo que ella hizo: ocho veces. (Y dos veces a Richard Burton, para ser exactos). Gracias a estos matrimonios repletos de estrellas, Taylor se convirtió en la receptora de joyas dignas de la realeza en cualquier otro lugar, e incluso escribió un libro sobre su plétora de hermosas gemas y adornos.

Comenzó su secuencia de matrimonios a los 17 años con el heredero del hotel Nicky Hilton. El tercer matrimonio de Taylor en febrero de 1957 fue con Mike Todd, el productor de Hollywood mejor conocido por su película ganadora del Oscar y Mejor Película. Alrededor del mundo en 80 días. Todd le regaló a Taylor una tiara de diamantes que usó en el Festival de Cine de Cannes ese año. Las tiaras no eran exactamente en boga en ese momento, pero Taylor usó la diadema de todos modos, citando que la usaba porque Todd era "su rey".

Todd también le regaló a Taylor un juego de aretes de rubíes y diamantes y su collar a juego, diseñado y creado por Cartier, que se la ve usando aquí en el estreno en Londres de Todd's. Alrededor del mundo en 80 días. La suite, que Todd le presentó a Taylor mientras ella estaba en la piscina de Cap Ferrat, la emocionó tanto que supuestamente echó los brazos alrededor del cuello de su marido y lo llevó a la piscina con ella.

Después de la prematura muerte de Todd en 1958 en un accidente de avión y tras su matrimonio con Eddie Fisher, Taylor protagonizó la película de Joseph L. Mankiewicz Cleopatra que recaudó casi $ 32 millones y la colocó cerca del actor Richard Burton. La pareja se enamoró y se casó en 1964 en Montreal, Canadá. El primer día de su boda, Taylor usó un broche de esmeraldas y diamantes de Bvlgari que Burton le regaló durante su compromiso. Este broche se vendió por más de $ 6.5 millones durante la venta de Christie's de las joyas de Taylor en 2011.

Otra impresionante combinación de esmeraldas y diamantes de Bvlgari & mdashTaylor coleccionaría muchas piezas de la casa italiana a lo largo de los años y mdash llegó en forma de un collar en cascada que Burton le regaló a su esposa el día de su boda. El collar cuenta con 16 esmeraldas colombianas, cada una con un borde de diamantes en forma de pera y de talla brillante, y finalmente Taylor agregó su broche de esmeraldas al collar como colgante.

En 1969, se subastó un diamante en forma de pera de 69,42 quilates en la ciudad de Nueva York. Se rumoreaba que tanto Richard Burton como Aristóteles Onassis tenían sus ojos puestos en la piedra para sus respectivos seres queridos, pero al final, Cartier ganó con una oferta de $ 1,050,000, solo $ 50,000 por encima del precio máximo de Burton. Burton fue inmediatamente a Cartier después de la venta y compró el diamante para Taylor, que finalmente se colocó en un anillo y un collar. La famosa piedra se hizo conocida como la Diamante de Taylor-Burton.

Burton obviamente aprovechó cualquier ocasión para bañar a Taylor con joyas y mdashshe se sabía que había dicho que él ". Me daría regalos de 'Es un día hermoso' o regalos de 'Vamos a dar un paseo'". En el cumpleaños número 40 de Taylor, Burton aprovechó esa ocasión especial para regalarle a Taylor un collar de zafiro y diamantes de Bvlgari.

La icónica colección de joyas personales de Elizabeth Taylor es legendaria y ha capturado la imaginación del público estadounidense durante la última década. En 2011, la venta de la colección de joyas de Taylor a través de Christie's recaudó casi 157 millones de dólares.


Un nuevo libro cubre los términos de joyería de la A a la Z

La terminología de la joyería puede resultar confusa. Cualquier número de palabras son nombres inapropiados. Es notable corte esmeralda fue elegido para describir una forma rectangular diamante y más extraño aún que el nombre se quedó. Gran parte de la jerga de la joyería es francesa sin alternativa en inglés. Bijoux, minaudiére, sautoir y en tremblant son solo algunos ejemplos.

En mi vida, hay estilos que han pasado de llamarse de una cosa a otra. Cartier & # 8217s Tutti-Frutti solía ser referido como ensalada de frutas. Van Cleef & amp Arpels registraron el término Mystery Setting para la técnica que popularizó la firma y que una vez se llamó Invisible Setting. Gran parte de la historia de la joyería es historia oral, no solo ha resultado en confusión sobre cosas del pasado, sino que los términos contemporáneos que surgen en la cultura popular también se han malinterpretado.

De & # 8216Looking at Jewelry, & # 8217, un camafeo de ágata con bandas, griego (ptolemaico), hecho en Egipto durante el siglo II a. C. Foto Museo J. Paul Getty, Colección Villa.

Si desea obtener más información sobre el léxico de la joyería, Google no siempre ofrece una definición precisa. Hasta ahora, el único libro que tenía en mi estante para definiciones directas de joyería es una copia de El diccionario ilustrado de joyería escrito por Harold Newman. La primera edición de la publicación salió en 1981. Todavía se puede conseguir por unos pocos dólares y la recomiendo encarecidamente. Puede que el libro no tenga las respuestas a todo, pero es un buen punto de partida.

Ahora hay un nuevo libro que aborda el tema, En cuanto a las joyas: una guía de términos, estilos y técnicas por Susanne Gänsicke e Yvonne J. Markowitz. Es un pequeño volumen de alrededor de 130 páginas que cubre términos de joyería de la A a la Z. Obviamente, no es completo, pero es una buena adición a una biblioteca.

Los autores inician el libro con una gran introducción concisa sobre el lugar de la joyería y quienes la hicieron en varias culturas a lo largo de la historia. Honestamente, el ensayo me dejó con ganas de mucho más. Mi parte favorita fue cuando revisaron la importancia de los orfebres. Explicaron cómo "el oro era tan abundante como el polvo" en el antiguo Egipto. Y cómo los orfebres fueron miembros tan importantes de la sociedad durante los siglos XV y XVI, piensa en Benvenuto Cellini, fueron representados en retratos.

De & # 8216Mirando joyas, & # 8217 & # 8216Un orfebre en su tienda & # 8217 pintado por Petrus Christus en 1449. Foto Museo Metropolitano de Arte

La parte del diccionario del libro, que constituye la gran mayoría de la publicación, es más sólida en las definiciones de terminología relacionada con antigüedades, gemas y términos generales. Hay palabras para estilos de joyas como Acrostic. Los términos simples como anillos y aretes se definen y luego se dividen en varios estilos. Los tipos de tocados que van desde corona, bandeau, diadema y diadema están perfectamente revisados.

Donde el libro no es tan fuerte es en términos de joyería moderna como Bling-Bling. Atribuyen los orígenes del estilo al elegante joyero francés Cartier. De hecho, comenzó en la década de 1990 con joyeros de las capuchas de los artistas de hip hop. Los autores no mencionan que el término, Bling-Bling, se le atribuye universalmente a un rapero llamado BG y que alrededor de 2011 se consideraba muerto.

De & # 8216Looking at Jewelry, & # 8217 The Cheapside Hoard, una colección de joyas de finales del siglo XVI y principios del XVII. Museo de fotografía de Londres

La historia de fondo del brazalete de tenis también se mezcla con Mirando joyas. Como tantos periodistas recientemente, dijeron que el término brazalete de tenis se puso de moda en 1987 cuando Chris Everett tuvo que dejar de jugar en el Abierto de Estados Unidos porque dejó caer su brazalete de línea de diamantes. Escribí una historia, & # 8220 The True Story of Chris Everett & # 8217s Tennis Bracelet, & # 8221 en The Adventurine en 2017 en un intento de aclarar esa información errónea. En resumen, el brazalete se dejó caer cuando Everett jugaba en 1978 y los hechos fueron confirmados por el campeón de tenis.

Como dije, la terminología de la joyería es confusa. Mirando joyas Lo hace bien en la arena de antigüedades y es una valiosa adición a cualquier biblioteca de joyas.


El atractivo eterno de las joyas del renacimiento egipcio

Siempre comienza de la misma manera. Una larga procesión por un túnel oscuro y sofocante, la luz de las antorchas parpadeantes en una grieta en la piedra y el siseo del aire antiguo y viciado que es succionado de una tumba sellada. El tesoro en el interior brilla y resplandece con entusiasmo en las llamas danzantes de la antorcha. Ore para que no haya maldiciones.

El arqueólogo dentro de todos nosotros siempre está fascinado por el botín enterrado de los antiguos. Es una de las razones por las que las joyas del Renacimiento egipcio son tan atractivas. Afortunadamente para los conocedores de la joyería, ha habido múltiples aumentos en el lapso de la historia que han dado paso a un resurgimiento estético y un intenso interés en todo lo egipcio durante los últimos doscientos años.

El arqueólogo Howard Carter (centro) observa el interior de una tumba egipcia durante la década de 1920. Foto Wikipedia Commons

Solo algunos de los muchos puntos conflictivos en la cronología de la egiptomanía en el siglo XIX incluyen la apertura del Canal de Suez en 1869, las exhibiciones en las Ferias Mundiales y el momento en que se erigió la Aguja de Cleopatra en Central Park en 1881. El descubrimiento egipcio más famoso del siglo XX ocurrió en 1922 cuando Howard Carter y su equipo desenterraron la tumba del rey Tutankamón. Inspiró a Tiffany, Cartier y Van Cleef & amp Arpels, entre otros, para hacer diseños de estilo egipcio.

Howard Carter examina su descubrimiento del rey Tut en Egipto en 1922. Foto Wikipedia Commons

En estos días, ¿persiste la locura por las joyas del Renacimiento egipcio? ¿Dónde se buscan esos tesoros? Resulta que quizás la colección más inspirada de joyas del Renacimiento egipcio se encuentra en la ciudad de Nueva York, a pocos minutos de Cleopatra's Needle en Central Park.

FD Gallery es un tesoro de todo tipo de hermosos objetos y joyas, pero cuando el coleccionista tiene un gusto exigente por los faraones y las esfinges, es el lugar al que debe acudir. Fiona Druckenmiller inició la galería en 2010 después de una larga carrera en Wall Street, y ha reunido un equipo de expertos increíble. Ubicado dentro de una elegante y recientemente remodelada casa adosada en East 80th Street, la boutique no podría ser más lujosa y especial. Fernando Bustillo, su socio gerente y mano derecha, me habló sobre el gusto por las joyas del Renacimiento egipcio en 2020, y esclareció muchos de los matices de cómo este gusto estético específico encaja en la vida actual.

Broche de escarabajo alado de loza vidriada azul engastado en un marco de oro y diamantes talla rosa. Galería de fotos FD

¿Cómo contextualiza el Renacimiento egipcio a los coleccionistas de hoy? ¿Hay alguna persuasión que deba suceder?

Contamos la historia. Muchas de las joyas de nuestra colección tienen vidas pasadas ricas y están acompañadas de historias coloridas que deben compartirse, pero pocas pueden rivalizar con un vínculo con el misterio y las imágenes del Egipto faraónico. Un niño rey, una tumba perdida, monumentos altísimos y las maravillas de una época olvidada: ¡es una historia tan seductora!

¿Prefieres el renacimiento egipcio del siglo XIX al siglo XX? ¿Puede explicar brevemente la diferencia?

La campaña egipcia de Napoleón en 1798 encendió la fascinación de Occidente por los motivos que todos hemos llegado a asociar con el Renacimiento egipcio: esfinges, pirámides, palmetas, hojas de papiro. Esta curiosidad se vio estimulada aún más por la emoción que rodeó la finalización del Canal de Suez en 1869, después de 10 años de construcción, lo que provocó un verdadero renacimiento del estilo egipcio, con joyeros que incorporaron específicamente artefactos que tenían miles de años, loza en forma de halcones y escarabajos, engastados en joyas enmarcados por esmalte bermellón y lapislázuli. Piezas delicadas, hermosas, tranquilas, imbuidas de una pátina de historia, pero tiendo a preferir lo que vino después de 1922, cuando Occidente estaba convulsionado por el exotismo egipcio.

Pulsera renacimiento egipcio de Lacloche Frères engastada con diamantes, rubíes, esmeraldas y zafiros. Galería de fotos FD

¿Tiene ciertos coleccionistas en la marcación rápida cuando obtiene una gran pieza nueva?

Aún mejor, recientemente un coleccionista me encargó encontrar & # 8220 un extraordinario brazalete del Renacimiento egipcio & # 8221 que quería presentar a su esposa para conmemorar sus próximos viajes a Egipto. ¡Desafío aceptado! Aunque todavía me tomó 10 meses de mi propio tipo de excavación antes de desenterrar el brazalete más hermoso de 1925 de Lacloche Frères: una ancha correa de diamantes centrada en un escarabajo alado flanqueado por grullas y papiro, un cayado y un mayal, y decorado con el ojo de Horus. Es la pulsera del Renacimiento egipcio por excelencia, ¡una maravilla!

¿Qué elementos componen una GRAN pieza del Renacimiento egipcio? ¿Color, escala, elementos de diseño?

El brazalete Lacloche que cité arriba comprueba cada caja, es excepcional. La ornamentación está inspirada en el repertorio habitual de motivos derivados del simbolismo religioso de los antiguos egipcios: deidades compuestas, cuerpos cósmicos, símbolos del poder real, escarabajos alados, guiños al más allá. Los colores aportan un toque vivo a estas escenas, especialmente las combinaciones de turquesa, zafiro azul oscuro y oro amarillo brillante, que en conjunto reflejan la tumultuosa entrada de las influencias egipcias en el cosmos de la joyería.

Collar de escarabajo vintage Photo FD Gallery

¿Alguna pieza del Renacimiento egipcio que haya tenido con una procedencia sorprendente? ¿Es posible investigar la historia exacta de algunos de los escarabajos o loza originales que se utilizaron?

Desafortunadamente, no hay una procedencia notable. En cuanto a su historia, ha sido un desafío rastrear los orígenes de algunos de estos amuletos antiguos, pero hemos aprendido mucho de los comerciantes de antigüedades cuando participamos en las ferias de arte de TEFAF. Tuvimos un collar de escarabajo en el show de primavera aquí en Nueva York a principios de este año, y un comerciante vecino lo admiró y fechó los escarabajos en los períodos del Reino Medio y Ptolemaico, algo que de otra manera nunca hubiéramos sabido, ya que lo compramos sabiendo solo que fue hermoso. Sorprendentemente, también compartió que los escarabajos solos valían mucho más de lo que pedíamos por el collar. Todavía estamos aprendiendo sobre el final de las antigüedades de esto, a veces puede parecer un nuevo idioma.

Renacimiento egipcio pulsera de oro micromosiac Galería de fotos FD

¿Cuánto tiempo ha sido la joyería de temática egipcia un foco de atención en FD?

Desde nuestro primer día. Nuestra propietaria, Fiona Druckenmiller, siempre ha tenido una fascinación por todo lo relacionado con el Renacimiento egipcio, y ya tenía maravillosos ejemplos en su colección personal cuando abrimos FD. Uno es un brazalete ancho, que data de alrededor de 1870, micromosaico y dorado, que representa una máscara faraónica dorada con una esfinge a cada lado sobre un fondo de color lapislázuli, con el reverso engastado con escarabajos e ibis alternados. Fue este brazalete lo que primero alimentó su entusiasmo por el Renacimiento egipcio, por lo que su directiva desde el principio ha sido encontrar más.

¿Cuál es tu pieza favorita que has tenido en la tienda?

Hace unos años teníamos un broche muy simple, diseñado como un gran escarabajo alado, la loza azul vidriada engastada en un marco de oro y diamantes talla rosa. [Visto en la foto en la parte superior de la entrevista.] En el mundo imaginario de los antiguos egipcios, el escarabajo alado representaba al dios sol Khepri y simbolizaba la resurrección y la inmortalidad. Los escarabajos se usaban como talismán para proteger a los humanos de los espíritus malignos, y estos escarabajos alados se colocaban en el pecho de los muertos, sobre sus corazones y siempre boca arriba, para que sirvieran de protección durante la otra vida. El broche era pesado, lo que reducía el número de compradores, por lo que tuvimos el placer de tenerlo por un tiempo.

Neceser de sarcófago renacentista egipcio, 1925 Foto Colección Cartier

¿Qué hay en tu mapa del tesoro escondido, la pieza que DEBES encontrar?

La pieza que más deseo es un neceser de Cartier de 1925 con forma de sarcófago egipcio. La cubierta convexa es una pieza sólida de hueso antiguo, los lados de la caja están decorados con un patrón de flores de loto y cada extremo de la terminal está adornado con el rostro faraónico enjoyado de una esfinge de aspecto casi Disney, tallada en una sola pieza. de esmeralda, su tocado amarillo y azul está rayado en bandas de oro y zafiros y recuerda la máscara funeraria de Tutankamón. Es una obra maestra principal entre las creaciones egipcias de Cartier. Lo quiero, pero es parte de Cartier & # 8217s Archives. En segundo lugar en mi lista de deseos está la corona de halcón de oro de Boucheron encargada por el rey Fuad I de Egipto en 1928 para su esposa, la reina Nazli & # 8212, ¡pero esa está perdida!


Historia de la colección

El núcleo de la Colección Bizantina se formó en solo unas pocas décadas gracias al interés pionero y el gusto refinado de Mildred y Robert Woods Bliss y al conocimiento de sus asesores, especialmente Royall Tyler. The Blisses comenzaron a adquirir arte bizantino a principios de la década de 1920 y pudieron prestar importantes objetos a la primera gran exposición internacional especial de arte bizantino, que tuvo lugar en París en 1931. Durante esta década, se interesaron por la joyería bizantina temprana y Objetos litúrgicos bizantinos medios. También adquirieron obras de arte romanas, cerámicas y textiles islámicos y obras de arte a pequeña escala de diversas culturas prehistóricas y antiguas.

Después de decidir en 1936 entregar Dumbarton Oaks a la Universidad de Harvard durante su vida, los Blisses comienzan a adquirir objetos bizantinos de manera más agresiva. Entre 1936 y 1940, cuando obsequiaron Dumbarton Oaks a Harvard, adquirieron la notable cantidad de 153 objetos bizantinos. La Galería Bizantina, construida en 1939-1940, fue construida con el diseño de Blisses por el arquitecto de Washington Thomas T. Waterman como el escaparate de su arte bizantino. Con esto, The Blisses se trasladó más allá de la pasión de los coleccionistas privados al establecimiento profético de una colección especializada que atrajo por igual tanto a los aficionados como a los investigadores. The Blisses continuó construyendo su colección en las décadas siguientes, exhibiendo el mismo entusiasmo y conocimiento que había caracterizado sus elecciones en años anteriores.


Cómo la reina Isabel, Kate Middleton y más miembros de la realeza se han puesto las joyas de la reliquia familiar

Es posible que estas impresionantes piezas hayan evolucionado con el tiempo, pero nunca pierden su brillo.

Cuando se trata de joyas reales, todo queda en la familia. Durante siglos, la realeza británica ha pasado joyas invaluables de una generación a la siguiente, aunque no siempre sobreviven intactas. & ldquoLas piezas a menudo se modifican para adaptarse mejor a los gustos actuales o para que sean más fáciles de usar para una mujer individual & rdquo, señala Ella Kay, la experta detrás El joyero de la corte. A medida que cambian las modas, los miembros de la realeza suelen reciclar las piedras preciosas, y simplemente para que se puedan usar y no solo acumular polvo.

Ya sea que eso signifique acortar los collares, como lo ha hecho la reina Isabel II para garantizar un mejor ajuste, o disimular por completo los stomachers y los accesorios mdashan que a menudo no se pueden usar con la ropa moderna, la mayoría de las joyas reales han pasado por una especie de viaje.

Aquí, hemos reunido 12 impresionantes reliquias reales, rastreando cómo han sido diseñadas por varias generaciones y mdash, desde la tiara Lover & rsquos Knot Tiara, actualmente vinculada a la duquesa de Cambridge, hasta el controvertido anillo de compromiso de la princesa Diana & rsquos.

La reina María hizo que la tiara se hiciera en 1913 y la modeló a partir de una versión anterior de la misma bengala: su abuela, la princesa Augusta de Hesse y rsquos Lover & rsquos Knot Tiara. Cuando la reina María murió en 1953, el tocado pasó a manos de su nieta, la reina Isabel II, quien se lo prestó a la princesa Diana por un tiempo. Después de la muerte de Diana & rsquos, no se vio públicamente hasta que la duquesa Kate lo usó en el Palacio de Buckingham en 2015. Desde entonces, se convirtió en una de las tiaras favoritas de Kate & rsquos.

La reina "no regala las joyas", pero siguen siendo parte de su colección personal de joyas, pero permite que [los miembros de la familia] las usen a largo plazo ", explica Kay.

Cuando Queen Mary encargó el nudo Lover & rsquos de la Casa Garrard, suministró material reciclado: uno de sus adornos, la Tiara de las Damas de Inglaterra. The Lover's Knot originalmente tenía 19 perlas verticales colocadas a lo largo de la parte superior, pero finalmente se quitaron, dejando solo las perlas suspendidas en su lugar.

Queen Mary fue la primera en poseer esta pieza de diamantes y mdashone de muchas gargantillas de diamantes en su colección. Después de la muerte de Mary & rsquos, la impresionante gargantilla no se volvió a ver hasta 1975, cuando la reina madre la usó en el retrato de su 75 cumpleaños (ver eso aquí). Hoy, Kate Middleton parece tenerlo prestado por la Reina, ya que ha sido vista usándolo varias veces en los últimos años.

La pieza fue diseñada originalmente como una gargantilla, pero después de la reina María, las generaciones reales posteriores la han usado como pulsera. La pieza presenta un patrón distintivo de eslabones de cadena, que a veces se describe como un diseño de influencia Art Deco.

El collar de perlas de cuatro hilos se hizo para la reina Isabel. Desde entonces se lo prestó a la princesa Diana y Kate Middleton.

Por El joyero de la corte, pensó que el gobierno japonés le había regalado a la reina Isabel las perlas para el collar. Posteriormente, Garrard & mdas hizo el collar a mano, posiblemente diseñado para contener una quinta cadena de perlas, en caso de que la Reina quisiera agregarlo más tarde.

La reina Victoria recibió este broche de zafiro y diamantes de manos de su futuro marido, el príncipe Alberto, el día antes de su boda. Inmediatamente se quedó prendada de él y tanto es así que al día siguiente se lo puso prendido a su vestido de novia. En su testamento, Victoria designó la pieza como "reliquia de la corona", lo que significa que la pieza debería ser usada por futuras reinas. Las cuatro reinas y reinas consortes desde & mdashQueen Alexandria, Queen Mary, Queen Elizabeth y Queen Elizabeth II & mdash han pasado a usarlo. También se sabe que la reina británica y la hija de rsquos, la princesa Ana, lucen una copia del broche.

Vale la pena explorar las diversas formas en que se transmiten estas piezas. Como regla general, las joyas reales se clasifican en una de tres categorías. Primero, la colección real incluye algunas joyas, pero se dedica principalmente a arte y objetos de arte. La segunda categoría de gemas son las joyas de la corona, que son & ldquoregalia usadas en ceremonias de estado, como coronaciones, & rdquo per Kay. Y la categoría final es la colección personal de Queen & rsquos. Los dos primeros son propiedad del soberano en un fideicomiso y pasan directamente de monarca a monarca, mientras que el último es propiedad personal de la Reina. "Yo diría que la mayoría de sus joyas son parte de su colección personal", explica Kay. & ldquoEso incluye todo, desde los pendientes de perlas que usa a diario hasta su colección de broches y sus tiaras, así como las joyas que heredó de la Reina María y la Reina Madre. & rdquo

Existe cierto misterio en torno a la procedencia de la princesa Ana y rsquos copia del broche. Como Moda La editora Suzy Menkes afirma en su libro Las Joyas Reales, & ldquoLa princesa real lleva una de las copias del broche de la reina Victoria que el príncipe Alberto había hecho para sus hijas mayores. Cuando salió uno al mercado, la reina se lo compró a su propia hija. El joyero de la corte señala, las fuentes oficiales nunca han comentado sobre la historia de la pieza y rsquos, y la afirmación de Menkes y rsquos permanece sin verificar.

El príncipe Carlos le propuso matrimonio a su primera esposa, la princesa Diana, con este impresionante anillo. Incluso después de su divorcio, Diana continuó usando la pieza, y en 2010, el príncipe William se la dio como anillo de compromiso a su ahora esposa, Kate Middleton.

A pesar de la grandeza del ring & rsquos, en realidad causó un poco de escándalo por ser una pieza lista para usar. Charles lo ordenó del catálogo de Garrard & rsquos, y aunque el precio de $ 60,000 aseguró que no se convertiría en también popular, los miembros de la familia real estaban molestos porque no estaba hecho a medida. La princesa Diana, sin embargo, no estuvo entre los críticos y ella eligió el anillo ella misma.

Este tocado fue creado por primera vez para la reina Isabel, la futura reina madre, que lo usó en una serie de imágenes utilizadas para publicitar la coronación del rey Jorge VI y rsquos en 1937. Lo diseñó bajo en la frente, mientras que generaciones de miembros de la realeza lo usaron más arriba.

Los miembros posteriores de la familia incluyeron a la princesa Margaret, a quien se le pasó el tocado. Cuando el hijo de Margaret & rsquos estaba listo para casarse, ella le prestó la tiara a su prometida Serena Stanhope para la boda. Before she died, it seems that Margaret returned the piece to the royal family, as Kate Middleton has been spotted wearing it in recent years.

George VI gave his wife a diamond and pearl necklace in celebration of their wedding. It appears that it wasn&rsquot to her taste, as she promptly had its components remade into the Lotus Flower Tiara.

Prince Albert (the future King Edward VII) gave his bride Princess Alexandra of Denmark a parure of jewelry as a wedding gift. Among the set was what came to be known as Queen Alexandra&rsquos Wedding Necklace. The stunning piece was passed down to the Queen Mother, who wore it often until her death in 2002, after which it was passed on to Queen Elizabeth. The necklace was kept out of sight for several years, until Duchess Kate wore it to the Dutch state banquet in 2018.

The parure originally included a matching tiara, known as the Rundell Tiara, which is unfortunately no longer in existence. Por Order of Splendour, historian Hugh Roberts revealed in his 2012 book, The Queen&rsquos Diamonds, that Queen Alexandra left the tiara to her daughter, Princess Victoria, who &ldquodisposed&rdquo of the sparkler.

The piece is best-known these days as Kate Middleton&rsquos wedding tiara, but of course, there&rsquos more to the heirloom&rsquos story. The Cartier Halo Tiara was originally purchased by King George VI for his wife, Queen Elizabeth. She subsequently gave the piece to her daughter, then-Princess Elizabeth, as an 18th birthday gift. It was the current Queen who loaned Kate the tiara for her wedding to Prince William.

The headpiece is made of platinum, 739 brilliant-cut diamonds, and 149 baton diamonds. Its name comes from its shape (a halo) and its maker. George VI was said to be a great admirer of Cartier&rsquos work.

King George VI gave his wife Queen Elizabeth this brooch to mark their 1939 state visit to Canada. Then-Princess Elizabeth was loaned the piece for her 1951 trip to Canada, but it stayed in the Queen Mother&rsquos possession until her death&mdashand she continued to wear it, even at age 100. Queen Elizabeth II subsequently inherited the piece, and has lent it to Camilla Parker-Bowles and Kate Middleton for their respective trips to Canada.

The piece was made by jeweller Asprey, according to The Court Jeweller. It&rsquos made of diamonds set in platinum, and its distinctive, Canadian-inspired design pays tribute the Commonwealth country.

As its name suggests, Queen Mary was the first to own this piece after it was created in 1932. After Mary&rsquos death, the tiara passed down to Queen Elizabeth II. Famously, the British monarch lent the Diamond Bandeau to Meghan Markle for her and Prince Harry&rsquos wedding. &ldquoI was very fortunate to be able to chose this gorgeous Art Deco style bandeau tiara,&rdquo Markle revealed in an audio guide for an exhibition at Windsor Castle. She went on to disclose that selecting her wedding tiara was &ldquoan incredibly surreal day, as you can imagine.&rdquo

The tiara&rsquos central jewel was originally a brooch, which Queen Mary received as a wedding present in 1893. Forty years later, the headpiece was designed specifically to feature the stunning brooch. The Diamond Bandeau consists of an 11-section flexible band, which holds both pavé and brilliant diamonds.

This over-the-top piece has a difficult history in its past, as its roots are in the British colonial era. The tiara was made for the 1911 Delhi Durbar, a celebration that marked the coronation of King George V and Queen Mary and Emperor and Empress of India. Mary later lent it to the Queen Mother, her daughter-in-law, who kept it until her death in 2002 (see her wearing it in South Africa here). A few years later, the Delhi Durbar made waves as the first tiara that Camilla, Duchess of Cornwall would ever wear to a royal event.

The Delhi Durbar Tiara was made from the components of the Boucheron Loop Tiara, another of Queen Mary's headpieces. It was originally topped with pearl-shaped emeralds, but Mary removed them, placing them instead in the Vladimir Tiara. Mary also occasionally wore the Cullinan II and IV diamonds&mdashsome truly massive stones&mdashatop the Delhi Durbar. When worn by later generations, no extra jewels were added.

The Queen Mother was bequeathed the jewelry collection of the Honorable Mrs. Greville, a friend of the royal family, in 1942&mdashand the Boucheron Tiara came with it. The tiara became a favorite of the Queen Mother&rsquos, who would go on to wear it at her 100th birthday celebration. Queen Elizabeth II has since inherited the piece, and lent it to Camilla, Duchess of Cornwall.

The openwork diamond piece was ordered from Boucheron in 1921. According to Geoffrey C. Munn&rsquos Tiaras: A History of Splendor, an older tiara&rsquos stones were recycled into the new headpiece. In 1953, the Queen Mother had its height increased with additional brilliant-cut diamonds and one marquise-cut diamond&mdashjewels which were given to Edward VII by de Beers.


The Decline of Ptolemaic Egypt

By the end of the 3rd century BC, Ptolemaic Egypt had lost most of its overseas territories. This may have been partly due to problems arising at home. Native Egyptian regiments had played an important role in the victory at the Battle of Raphia and this made the Egyptians realize their potential and encouraged native revolts across the southern part of the kingdom.

The Ptolemaic kingdom of Egypt in 200 BC. (Malus Catulus / CC BY-SA 3.0 )

In 205 BC, Ptolemy IV Philopator was succeeded by Ptolemy V Epiphanes. Ptolemy V made several attempts to improve his public image and the public image of the Ptolemies both abroad and at home, especially among native Egyptians.

In 196 BC, Ptolemy V Epiphanes was crowned King of Egypt at Memphis, the traditional capital of Pharaonic Egypt, in traditional Egyptian style, an event recorded on the famous Rosetta Stone.

The reign of Ptolemy V’s successor, Ptolemy VI Philometor (180-145 BC) was characterized by conflict with the Seleucids and continuous decline in the autonomy of the Ptolemaic kingdom . Ptolemy VI had to contend both with the Seleucid ruler Antiochus IV and with his brother who was one of his major rivals. The Romans were also becoming a larger influence from the west.

Between 170 BC and 169 BC, Antiochus IV of the Seleucid kingdom invaded Egypt and was able to set up a protectorate, over which he appointed a governor. Things were going well for the Seleucid monarch until he was approached by the Romans in 168 BC.

The Roman ambassador Popillius Leanas informed Antiochus IV that the Seleucids had to withdraw from Egypt or face a conflict with Rome. Antiochus IV knew he was unable to defeat the Romans. By the end of that year, Antiochus IV had withdrawn back to the Middle East.

During the reign of Ptolemy VI Philometor and after his reign, Rome began to play an increasingly important role in Egyptian politics. Roman politicians wanted access to the enormous wealth of Egypt, but they also respected it enough that they did not invade and even maintained stability within the kingdom by interrupting a civil war.


On This Day in Royal History: Wallis Simpson's Historic Jewelry Collection Went on Sale

When Edward VIII (then the Prince of Wales) met Wallis Simpson back in 1931, it was the start of a royal romance that changed the course of history — it was also the beginning of a very impressive (and romantic) jewelry collection.

On April 3, 1987, those jewels made history, going under the hammer at Sotheby’s in Geneva, fetching over $50 million — a world record for a single-owner jewelry collection and six times the expected figure.

The vast collection, which included over 200 pieces of stunning jewelry, were gifts the Duke of Windsor had lavished on Simpson over the course of their lives together. The collection also included a 19-karat emerald and diamond ring commemorating their secret engagement in 1936, inscribed with the words “We Are Ours Now.” It sold for $1.98 million.

The then-King Edward VIII gave up the throne to controversially marry Wallis, who hailed from Baltimore, Maryland, in the U.S. and was twice divorced, on June 3, 1937. Edward’s younger brother Prince Albert then became King George VI — ultimately paving the way for his daughter Princess Elizabeth to become Queen. Exiled to France, the Duke and Duchess of Windsor became known for their extravagant lifestyle.

In addition to their face value, the jewelry was also sentimental. A ruby and diamond bracelet bought for Simpson before her divorce and his abdication, had the words “Hold Tight” inscribed on the clasp, while a charm on another bracelet was inscribed with “God Save the King for Wallis.” A Cartier cigarette case mapped out their travels along the Mediterranean, with gems marking where their yacht had docked.

The much-anticipated event, dubbed “the alternative Crown jewels,” saw over 1,000 bidders crowd into a tent next to Lake Geneva for the two-day sale, while in New York another 600 bidders took part. Elizabeth Taylor, a friend of the couple, phoned in from Los Angeles to bid on a diamond ostrich plume brooch, and British actress Joan Collins bought a sapphire pendant.

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As requested on her death in 1986 (the duke died in 1972), all proceeds were left to the Pasteur Institute in Paris, a medical research foundation which specializing in AIDS and cancer research.


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